ALBERT PLA y RAÜL REFREE - "Miedo" (2018)

ALBERT PLA se encuentra de gira estatal presentando el espectáculo Miedo. Con música de RAÜL REFREE y sus letras, dirigido por Pepe Miravete y con la colaboración decisiva artistica de los Mondongo (Juliana Lafitte y Manuel Mendanha) y del estudio Nueveojos a los visuales.

La banda sonora de esta especie de musical gore tiene ya formato discográfico, por si mismo con tanta personalidad y poderío, que funciona de manera altamente satisfactoria también fuera de su hábitat teatral.

El título no da lugar a dudas, el miedo es hilo conductor, omnipresente en lo cotidiano, en pequeñas dosis o a raudales incontrolables. Así se muestra en este trabajo ya desde su macabra apertura "Entierro"; con ese niño enterrado vivo que por mucho que se esfuerce no puede hacer oír sus lamentos: <<...qué fuerte lloran los vivos que no escuchan ni a los muertos...>> La colaboración vocal de Rocío Márquez pone el resto, una maravilla.

"Muerto" reza las bondades de haberla palmado a través de una épica pieza, lo cual abre una puerta a la esperanza de perder esa innata animadversión del ser humano a aceptar su condición de perecedero. 

El karma pasa factura y sus consecuencias en forma de espectros visitantes asoman la cabeza en "A por mi", mientras que la dulzura de "Bailando", tema compuesto por Judit Farrés, nos recuerda que quizás a quién debemos tener más terror es a uno mismo.

"Muñeca", uno de los cortes más espeluznantes si cabe, otra vez con un niño como protagonista y sus miedos ante la aparición de una tercera persona entre la relación de sus padres, concluyendo que lo mejor sería matarla antes de que ella se cargue la unidad familiar.

"Calaveras", pese a su título, es el remanso de paz del álbum, una delicada pieza instrumental que nos permite coger aire ante tanto horror. Aprovecha sus cuatro minutos que vienen curvas.

El folk minimalista de la desternillante "Ratón" nos muestra el lado oscuro del Ratoncito Pérez. Parece evidente que NO recomendamos este disco a la audiencia infantil, aunque esta sea su mayor protagonista, pero esta canción junto con las siguientes "Circo" y "Parque" aún menos. Vamos a evitar que los más pequeños de la casa sufran pesadillas por culpa de uno de sus personajes más queridos y dos de los lugares en donde más se divierten. ALBERT PLA eres malo, malote.

Cerrando Miedo tenemos la gamberra y pomposa "Dejadme", contrastando con la sencillez acústica de "Adiós mamá". Una tierna despedida que nos recompone tras haber pasado por una experiencia tan tétrica y sombría como esta.

SUEDE - "The Blue Hour" (Warner Music, 2018)

SUEDE están gozando de una segunda juventud después del parón compositivo que les durara cerca de once años (2002-2013). Sus nuevos álbumes Bloodsports (2013), Night Toughts (2016) y el que cierra con broche de oro la trilogía, The Blue Hour (Warner Music, 2018), así lo certifican.

Estamos ante un trabajo inquietante, contestatario, oscuro en el talante y deslumbrante en su desarrollo. Brett Anderson se pone en la piel de un niño, inspirándose en su propio hijo, a la hora de tejer un aparente hilo argumental en medio de la distópica realidad que le rodea. El resultado, una obra monumental, con fuerte carga sinfónica, acentuada si cabe con la presencia en su metraje de la Orquesta Filarmónica de Praga. 

The Blue Hour necesita una escucha pausada, relajada, un espacio íntimo para el desconecte. Desde su inicio con la lúgubre neoclásica "As One" y  unos coros que, tanto te abruman, como te hielan la sangre, dando paso a uno de los cortes más identificables como marca de la casa, el medio tiempo "Wastelands". La dulzura de "Mistress" se fusiona con la majestuosa "Beyond the Outskirts", una de las cumbres emotivas del trabajo y me atrevería a decir de la carrera de SUEDE.

En The Blue Hour nos topamos con tres interludios; el primero, el menos convencional como tal, "Chalk Circles", con esos coros marciales, robustas guitarras y la voz de Brett como punto de encuentro. Más adelante, la inquietante "Roadkill", con exótico giro arabesco incluido; y "Dead Bird", escueta conversación entre padre e hijo mientras el primero entierra un pájaro, quizás el mismo pájaro muerto que sirviera meses atrás como imagen anunciación del álbum.

Una de las dos excepciones del conjunto que imaginas brincándolas en un concierto sería "Cold Hands", demostrando que el quinteto británico tiene reservas de energía y empuje para rato. Pero es un espejismo, enseguida aparece "Life is Golden" (videoclip al final del post) y con ella vuelve la sensación de conmoción y de odisea, maravillosa.

GUILLAMINO - "Fra Júpiter" (Bankrobber, 18)

La paleta sonora de Pau Guillamet (GUILLAMINO) abarca desde electrónica hasta soul, folk y ahora... No, vamos a ver, el multiinstrumentista barcelonés no se ha pasado a la música sacra, al menos de momento. Aunque si tu primera referencia del nuevo álbum Fra Júpiter (Bankrobber, 18) fuera la de su portada podrías llevarte esa impresión. Aún más a sabiendas que el proceso creativo ha tenido lugar en su mayor parte en el Monasterio de Poblet (Tarragona), donde estuvo una semana conviviendo con sus monjes. Allí mismo, entre esos muros, registró la esencia de sus composiciones, dotándolo de una marcada aureola entre mística y ensoñadora.

Las grabaciones primarias de Poblet luego tomarían forma definitiva con la participación del coro Petits Cantors Amics de la Unió y las mezclas a cargo de Joan Pons (EL PETIT DE CAL ERIL).

Estamos ante un álbum cimentado sobre fundamento soul y acústico, con algunos flashes electrónicos made in GUILLAMINO y gran dosis de falsete. Agradable a la escucha, envolvente y reconfortante.

Foto de Alex Llovet

El "Càntic d'entrada" hace las veces de cautivador reclamo, en este momento ya sabes que no podrás resistirte a su influjo, solo déjate llevar. Ese soul al que hacíamos referencia anteriormente empieza a quitarse la careta en la arrebatadora "Serpent", dando paso al tridente de canciones que fueran avances presentación del trabajo. La elegante y seductora melancolía de "Cançó"; la etérea y fantasmal "Perdura eternament el teu amor" (clip al final del post); y la enigmática bossa-nova del tema titular.

IVÁN FERREIRO - "Cena recalentada" (Warner Music Spain, 18)

IVÁN FERREIRO es un tipo al que parece que no asusten los retos, al contrario, se crece. Atreverse a versionar la discografía completa de los míticos GOLPES BAJOS demuestra, como mínimo, tenerlos bien puestos.

De entrada nos encontramos con que ambas voces son polos opuestos; la del bueno de Germán Coppini, a quién va dedicado el álbum, deslumbró y sorprendió en su momento con su reverberación natural acentuando su halo entre enigmático y elegante. En cambio, el latente desgarro de Iván contrasta y mucho a la hora de comparaciones con la original, precisamente esa contienda virtual entre frontman es uno de los valores añadidos del trabajo. 

GOLPES BAJOS fueron un grupo adelantado a su tiempo tanto musicalmente, mezclando synth-pop con ritmos latinos y funkies, conviviendo sintetizadores con cajas de ritmos, guitarras y bajos; estéticamente con cuidados looks de inspiración anglosajona post-punk; y líricamente tocando temas como la religión, machismo, malos tratos... hasta la fecha tabú. Tuvieron una vida efímera como grupo pero bien fructífera: un EP homónimo (1983), el disco A santa compaña (1984) y un Mini LP titulado Devocionario (1985).

En Cena recalentada (Warner Music Spain, 18) el de Nigrán da un nuevo enfoque a las diecinueve canciones de la banda, respetando profundamente su esencia original, por ello Iván ha contado con la colaboración de los miembros originales de GOLPES BAJOS; Pablo Novoa a la guitarra y produciendo el disco; Luis García al bajo y Teo Cardalda (teclista), con un deslumbrante solo de guitarra en el corte "Escenas olvidadas", poniendo la guinda a su gozoso funky. 

Los de Vigo gestaron como tridente de hits inmediatos "No mires a los ojos de la gente", que ahora adquiere nueva dimensión, con un giro electrónico final tan sorprendente como abrumador; "Fiesta de los maniquíes", más techno y enérgica que la original; y el himno "Malos tiempos para la lírica", una de las versiones actuales que más respeta su formato original. Recomendamos revisitar su paso por aquel mítico programa La Edad de Oro del 1983, donde además son entrevistados por la gran Paloma Chamorro.

Pero la breve discografía de GOLPES BAJOS da para mucho más y Iván, al repasar cada una de sus canciones, reivindica merecidamente la totalidad de su obra. Maravillas como la gloriosa melancolía del tema titular "Cena recalentada" y la tan deliciosa como agridulce "Desconocido"; el funky de "La virgen loca", feminista y reivindicativa al igual que la samba "La reclusa"; la melancólica elegancia de "Hazme un nueve"; la bossa-nova conviviendo con el drum and bass de "Hansel y Gretel", la espectral languidez de "Santos de devocionario", la lunática y adictiva vivacidad de "Estoy enfermo" y "Colecciono moscas", aquí acentuando si cabe su pegada. Así hasta completar las diecinueve perlas que componen el legado de la mítica banda gallega.

LYDMOR - "I Told You I'd Tell Them Our Story" (hfn music,18)

Jenny Rossander es una inquieta y multidisciplinar artista danesa que acaba de publicar su segundo disco en solitario I Told You I'd Tell Them Our Story (hfn music,18). LYDMOR (nombre artístico) ha adoptado Shanghái como exótico decorado por dónde desplegar su pop electrónico durante los doce cortes (dos de ellos interludios, "Shuidan Lu" y "Queen of the Night") de los que consta este cautivador trabajo. 

Con "To the Mansion" abrimos la puerta a esta visita, más emocional que turística a la ciudad yéndonos directos al nightclub del mismo nombre. Lo hacemos de forma pausada, vaporosa, con una base chillwave que nos acompañará en otros momentos durante la escucha del álbum.

Enseguida nos topamos con la columna vertebral del álbum en forma de sus tres singles avances: "Money Towers", con una latente bruma dance que te envuelve mientras Jenny expone los claroscuros de la ciudad asiática; "Killing Time" (vídeo al final del post), con una evidente carga de sonidos étnicos, que si bien en el anterior corte asomaban la cabeza, en éste alcanzan innegable protagonismo, completando un corte que es una delicia; y el alegato feminista "Claudia", con un desarrollo tan hipnótico como contorsionista.

El resto del trabajo evoluciona entre la caricia sonora de "DIM"; la enorme "Soft Islands", una abatida lírica, bordeando lo depresivo, chocando de frente con su gloriosa evolución trance; o "Nostalgia", lo que viene a ser liberarse del zarzal que nos oprimía durante en el corte anterior a base de energía positiva para encarar la vida con ánimos renovados.