DAN PERALBO I EL COMBOI - "Dan Peralbo i El Comboi" (Montgrí, 2024)

 

DAN PERALBO I EL COMBOI debutaron en formato largo arrancando otoño de 2024 con disco homónimo editado por el sello ampurdanés Montgrí. Dan Peralbo (guitarra y voz), Albert (Ret) Ramos (guitarra), Aleix -Jimmy- Vilarrasa (batería) y Pol Villegas (bajo) unieron fuerzas allá por 2020 amplificando Dan su proyecto en solitario con el ensamblaje en formato banda. Por el camino se proclamaron ganadores del prestigioso concurso Sona9 en 2021 y publicaron cuatro EP's. Lo que se dice quietecitos, no han estado.

Las experiencias trasnochadoras acumuladas durante los últimos años derivadas del frenesí juvenil son la base temática sobre la que se sustenta el álbum, uno producido por Joan Delgado y Aleix Turon (Cala Vento) y que se viste con certeros ritmos pop-rock.

Foto de Carla Pérez Vas

El disco abre la puerta con la adictiva "Com es mou" y unos nerviosos rasgueos guitarreros anticipando la energía lozana que se gastan. Los de Torelló (Barcelona) entran rockanroleando a pecho descubierto y a ti solo te queda brincar como un poseso.

Cogemos aire con la entrañable "Tot allò que vaig sentir" (videoclip insertado a pie de página). El cuarteto se nos pone nostálgico desplegando recuerdos de infancia enmarcados en un ultra melódico corte. Esos bucólicos acordes guitarreros son para darles de comer aparte.

El medio tiempo "He begut (una mica massa)", con un título que no deja lugar para la imaginación, convierte la cogorza en un ejercicio de camaradería fraternal. Mientras, llega "Angelina Jolie", otro de los hits contenidos en el álbum, avisamos que su pegadizo estribillo se grabará a fuego en tu subconsciente. 

Llegamos al ecuador del disco con la sorprendente "Que nos quiten lo bailao" y esos cambios de ritmo, momentos para el desboque con guitarras afiladas, otros evocadores, coros incluidos... No podemos comulgar más con el título, a pies juntillas.

La acapela "Mireia" abre dulcemente la cara B del vinilo en forma de carta de amor sin filtros. Bajaremos de las nubes de gominola en la que nos habían instalado recientemente con el power-pop de quilates de "Julivert" y unos Weezer con barretina dando el callo y de qué manera.

 

"Bang bang bang" o una jocosa visión de la lucha de clases a ritmo de sinuoso brit-pop precede a "Quin panorama", el cigarrito de después contenido en otro tema redondo del cuarteto catalán.

NOISE BOX - "Daño" (Flor y Nata Records, 2024)

Bienve Campoy (guitarra), Helios Sánchez (bajo), Luis Pastor (sintes y programaciones), Pedro Marco (batería) y Jesús Cobarro (voz y guitarra) son la alineación actual de NOISE BOX y nos traen décimo álbum con Daño (Flor y Nata Records, 2024). Los murcianos vienen desde principios del año 2000 forjando méritos para alcanzar sitio de honor en el panorama independiente patrio y con este nuevo trabajo deberían haber llegado sobrados a la meta. Cambian el inglés por el castellano en 12 canciones donde se muestran más incisivos y sugerentes que nunca armados de su indie rock con alta simpatia por el emo.

"Daño" arranca con el tema titular y esos destellos de sintes a los que enseguida acompaña el bajo pulsómetro cimentando un corte que se desboca en el estribillo rebosante de guitarras grunge. Un arranque bien sugestivo, sensación que quedará atrincherada durante toda la escucha.

  

Nos ponemos intensos con "Algo bueno" agitando una coctelera sonora donde aparecen desde loops, samples y cajas de ritmos hasta un ligero autotune insertado en la voz de Cobarro. Una que se desgañita mientras líricamente busca el equilibrio entre la angustia y el alivio, lo que viene a ser sentirse vivo.

El primer adelanto del disco fue "Espiral" animando a arriesgarte por un sueño, a ser valientes, sin miedo, la recompensa puede ser gloriosa. Un riff guitarrero nos introduce a otro brillante corte que va navegando en sutil in crescendo para estallar definitivamente en un último minuto de traca.

"Hoguera" es eso mismo, una llamarada que arrasa con lo que pilla. El lado más explosivo de NOISE BOX servido en bandeja de plata con afiladas guitarras, batería detonadora y bajo percutor hermanados por unos evocadores sintes a modo de guinda para uno de los cortes más arrebatadores del conjunto.

Cogemos aire con la delicadeza de la estrofa de "Alfiler". Será un espejismo porque llega el estribillo y vuelve a aflorar el apasionamiento innato del quinteto. Luego con esos solos de guitarra ya nos tendran ganados para siempre. ¡Temón!

La melancólica "Ejercicio de gratitud" fue el último avance de Daño, contando con la colaboración destacada de la guitarra de Jorge Guirao de los añorados SECOND. De los temas más melódicos y evocadores del disco resulta una muestra más del poder camaleónico de los murcianos. La segunda mitad de la canción va derivando hacia fuegos artificiales.

Cuidado con "1Up" que juega al despiste. Su aparente minimalismo te va envolviendo hasta hacerte suyo. Una fantasmal estrofa desembocando en ultra-melódico estribillo para luego ir buscando recovecos donde refugiarse, a modo de animal en peligro de extinción. Maravillosa.

 

"Caja de ruido" o el poder sanador de la música, es la más popera del álbum. Un himno motivador con forma de medio tiempo provisto de un estribillo irresistible, capaz de hacerte resurgir de las cenizas una y mil veces.

 

Las heridas de una ruptura sentimental cicatrizan mucho antes con notas tan radiantes como las de "1985". Le sigue la elegancia placentera de "Nuestra soledad" con el bajo pidiendo protagonismo. De repente hacia su ecuador nos sobreviene un break partiéndola en dos. A partir de ahí se rebela tanto musicalmente como líricamente, intentando escapar de esa misma "soledad".

BIZNAGA - "¡Ahora!" (Montgrí, 2024)

BIZNAGA ya llevan, con este ¡Ahora! (Montgrí, 2024), cinco álbumes en su mochila. Una repleta de puñetazos punk-rock bien noqueantes, a menudo en forma de canción protesta puesta al día, pasada por el aro del músculo de Jorge Navarro (bajista), Álvaro García (guitarra y voz), Torete (guitarra) y Jorge 'Milky' Ballarín (batería). Con el presente trabajo se coronan como máximos representantes del descontento socio-político actual, eso sí, sin renunciar a la ilusión armados de un moderado optimismo.

"El futuro sobre plano" nos abre la puerta a ¡Ahora! con el derecho a una vivienda digna como bandera. La enarbolan al modo del cuarteto madrileño-malagueño: estrofa incisiva, puente arrollador y estribillo cadencioso.

En "Imaginación política" empezamos a ver una luz de esperanza: <<Te imaginas que fuera posible otra vida, que hubiera alternativa a esta deriva? ¿Y si vuera verdad? Es verdad, es verdad>>. La épica contenida de su último minuto es de traca.

El bajo de "El entusiasmo" (videoclip insertado a pie de página) me tiene ganado. El que fuera primer single avance del disco es puro subidón, en todos los sentidos. El corte más inmediato del conjunto arranca líricamente de manera lapidaria: <<Cuando el desencanto es tradición el entusiasmo es una disidencia>>. Podría ser el eslogan perfecto para presentar ¡Ahora!. Y su final tampoco se queda cojo: <<El entusiasmo nos atraviesa con su cuchillo de primavera>>.  Antes, el estribillo ya nos lo dejaba claro: <<Esto es una canción de amor y una declaración de guerra>>. Ah, me dejaba otra frase made in BIZNAGA: <<si hay que morir es de vivir>>.

En "La gran renuncia" denuncian <<el estado de malestar>> en el que estamos sumidos, donde el vivir para trabajar es religión. Esos avinagrados rasgueos guitarreros acompañando el bajo antes de presentar el estribillo son de los que se marcan a fuego.

 

La Wikipedia nos explica que las "Benzodiazepinas" son medicamentos psicotrópicos (actúan sobre el sistema nervioso central) con efectos sedantes, hipnóticos, ansiolíticos, antiepilépticos, amnésicos y miorrelajantes. Se usan en medicina para tratar el trastorno de ansiedad, el insomnio y otros trastornos del estado de ánimo. La canción del mismo título se despereza progresivamente, in crescendo, transitando por el abuso de la medicación de manera rehabilitadora gracias a su melódico desarrollo.

La cara B del vinilo asoma la cabeza con el desgarrador medio tiempo "Espejos de caos" reflejando la fustración y angustia derivada de la precariedad laboral. La consecuencias pueden originar situaciones límite como la de los protagonistas del corte.

La empoderadora "Las afinidades eléctricas" sentencia desde su inicio con ese: <<quien se olvida de los amigos se olvida de sí mismo>>. Le sigue Anxa Baltar (BALA) haciendo los coros en la sobrecogedora, pese a su luminosas notas, "Réquiem por un rider". Las guitarras jangle-pop jugueteando con el bajo pulsómetro ponen el resto a otro espléndido corte.

KOKOSHCA - "La Juventud" (Sonido Muchacho, 2024)

KOKOSHCA vienen dando guerra desde 2008 con su pop-rock atemporal abierto a condimentarse con especias rítmicas diversas, como se hace más que evidente en su octavo álbum de estudio La Juventud (Sonido Muchacho, 2024).

 
Amaia Tirapu (voz y guitarra), Iñaki López (voz y guitarra), Iñigo Andión (bajo y coros) y Álex López (batería) arrancan el trabajo con un discurso de Pepe Mújica musicado en "Tienes que saber esto". Como suele ser habitual en los alegatos del ex-presidente de Uruguay se nos muestra tan aleccionador como motivador por lo que empezamos la escucha con un plus de excitación, culminada con la llegada del tema titular. La animosa "La Juventud" con esas nerviosas guitarras enmarcando su pulso krautrock nos marca el camino hacia la eterna lozanía, una en la que la actitud lucha por imponerse a la inexorable huella del tiempo en nuestras carnes.

"Lo que hay de mi", con ese cadencioso saborcillo Madchester incorporado, exhibe sin tapujos la grima hacia la jornada laboral con versos como: <<tanto trabajar, tanto trabajar solo quiero salir de esa jaula y volver a volar>>. 

El yeyé sesentero entra en escena de la mano de "Huella de ti" y unos teclados, gentileza de Betacam, especialmente protagonistas. La superación de una ruptura sentimental siempre será menos traumática acompañada de un corte tan luminoso como el de los pamploneses.

El latente duduá de la nostálgica "El verano" nos evoca, a través de un fugaz amor estival, a la placidez de tiempos pretéritos en los que, parafraseando su lírica: <<entonces el verano duraba más de un mes>>.

La popera "Parkour" se nos rebela ante el asfixiante sistema capitalista establecido en el que las ciudades cada vez son menos habitables y vivir para trabajar se convierte en religión. 

El corrido mexicano "Mi barrio" no lo vimos venir. En cambio se funde de maravilla entre su repertorio a la vez que reivindican un sabor a barrio en peligro de extinción.

Nos quitamos el traje de mariachi para enfundarnos el de desfase nocturno con "Sácame a bailar". Himno hedonista demandando el carpe diem como ley suprema. No hay lugar mejor que sobre la pista de baile.  

 

El collage sonoro de La Juventud sigue aportando recortes bien coloridos con "Nos pasa siempre". Otra de las sorpresas que nos tenían preparadas el cuarteto navarro con ese arrebatador cruce entre cumbia colombiana y música dub jamaicana.

FABIO VEGA AND THE QUIET MEN - "Burning" (autoeditado, 2024)

 

Fabio Vega lleva obsequiándonos con discazos como A QUIET MAN desde el 2009. Claro exponente del DIY (do it yourself) ya venía experimentando en su casa desde 2001 partiendo de caja de ritmos, una mini pedalera y una guitarra acústica mientras iba montando su propio estudio y adquiriendo más instrumentos. Con nueve álbumes en su haber el último, Staring at the Dark (2021), era la confirmación de una deriva hacia la electrónica de sus paisajes característicos soft rock, con poso jazzístico y aura de crooner incorporados. 

Fabio ha querido recuperar sonoridades primigenias, volver a la calidez analógica de antaño. Para hacerlo se presenta ahora como FABIO VEGA AND THE QUIET MEN y este nuevo trabajo, Burning (2024). Completan la formación Kike Pellicer (bajo), Pedro Jiménez (guitarra eléctrica) y Chiri (batería).

La temática romántica sigue siendo el leitmotiv lírico principal de sus composiciones como queda bien patente en el arranque de disco "River of love". Una especie de bolero con guitarra blusera como guinda para un elegante y sensual corte que nos teletransporta , lo que viene a ser Fabio Vega en todo su esplendor. 

"Déja vú" con ese viaje guitarrero acompañado de un aterciopelado bajo, batería ingrávida, distinguido saxo y coros reparadores abrazando la voz de un Fabio que parece querer dejar atrás los restos de una relación agotada.

El amor a veces también triunfa, como parece que pasará en "Let's pick the night, together", al menos durante una noche. El acordeón incorpora un plus de lujuria a otro tema arrebatador.

"Far from myself" es el corte más extenso del conjunto gracias a sus seis minutos con cuarenta y seis segundos de puro cortejo entre saxo y guitarra eléctrica. Le sigue la melancólica "High-heeled shoes". El certero riff guitarrero junto a las notas del acordeón intentan atenuar los efectos devastadores de un corazón roto: <<Every hour feels like days, time cannot heal my pain, it's worst every day, my love / Cada hora se siente como días, el tiempo no puede curar mi dolor, es peor cada día, mi amor >>.

"We've got to know" con ese preciso a la vez que sorprendente break rondando su ecuador y el desboque final coronando una nueva perla del artista rapitense de adopción (Terres de l'Ebre). Llega "The keeper of your heart" con Fabio en modo seductor, le sale de natural pero aquí lo borda, susurrando deseo y pasión. 

THE CURE - "Songs Of A Lost World" (Universal Music, 2024)

Los THE CURE no pudieron elegir mejor día para la publicación de su nuevo álbum Songs Of A Lost World (2024) que el 1 de noviembre, festividad de Todos los Santos. En la jornada en la que rendimos homenaje a los que ya no se encuentran entre nosotros Robert Smith y los suyos salen de su tumba de larga sequía discográfica, desde aquel lejano y descafeinado 4:13 Dream de 2008. Lo hacen con un álbum glorioso, digno de un deseado aunque no demasiado evidente regreso, teniendo en cuenta cuánto se dilataba la espera. 

THE CURE ya nos habían hechizado sobradamente con sus melodías descarnadas, preciosistas o sobradas de pegada, durante cuarenta y cinco años de venerada carrera. Tras dieciséis primaveras de mutismo productivo ya no sabíamos el estado en que se encontraría una maquinaria compositiva quizás algo oxidada, ni que sea por el implacable paso del tiempo. Debemos recordar que Robert Smith tiene 65 años, todos nos vamos haciendo mayores y eso, quieras o no, puede pasar factura. 

Pues va y resulta que todavía quedaba inspiración de sobras. En Songs Of A Lost World el británico se quita el polvo acumulado y nos conecta a cara descubierta con el sentimiento de pérdida (en los últimos años sufrió las de sus padres y su hermano) y la soledad compinchada con el inexorable paso del tiempo, aquel que nos acerca al final del trayecto vital mientras te vas marchitando con más o menos dignidad. Un lienzo en blanco donde se pinta un cuadro que hiere y cicatriza a la vez.

Olvídate de los THE CURE que manufacturaban píldoras pop de efecto inmediato en los 80 y 90's. Aquí vuelven desde la madurez a la oscuridad extrema de sus inicios con unas atmósferas brumosas que brotan por entre canciones densas y prolongadas.

Songs Of A Lost World contiene un ejercicio de simetría conceptual que arranca con "Alone" y una desgarradora letra que dispara tal que así: <<This is the end of every song that we sing / Este es el final de cada canción que cantamos>>. Luego se cierra el disco y ese bucle sensorial con "Endsong" sentenciando: <<It won't be long It's all gone. Left alone with nothing at the end of every song. Left alone with nothing, nothing / No me queda mucho tiempo, todo ha desaparecido. Me he quedado solo sin nada al final de cada canción>>.

El corte inicial con su ritmo tétrico y abatido resulta un puñetazo de melancolía premium. Los teclados de Roger O’Donnell muy protagonistas entablando con el bajo de Simon Gallup un diálogo de belleza hiriente mientras la batería de Jason Cooper le acaba de inyectar solemnidad a un corte inmenso.

Con "And Nothing Is Forever" y estos sintes celestiales simulando cuerdas sinfónicas poniéndote la piel de gallina desde el minuto 0, entramos en fase de aceptación: <<And I know, I know. My world has grown old but it really doesn't matter if you say we'll be together. If you promise you'll be with me in the end. Promise you'll be with me in the end / Y lo sé, lo sé, mi mundo se ha hecho viejo pero realmente no importa si dices que estaremos juntos. Si prometes que al final estarás conmigo. Promete que al final estarás conmigo>>. Su conmovedora delicadeza traspasa desde el corazón hasta el lagrimal.

En "A Fragile Thing" Simon Gallup se siente poderoso armado con su monumental línea de bajo. Después entrará majestuosa la guitarra eléctrica mientras la hipnótica base, con estas notas al aire de teclado, hará de las suyas durante el devenir de la canción. ¡Brutalísima! La de digestión más rápida del conjunto aunque esté a años luz de un hit pop. Levitando sobre las cenizas de un corazón roto.

Llegado este punto me gustaría poner en valor la entrada en la formación en los últimos tiempos de Reeves Gabrels. El estratosférico guitarrista, que fuera habitual colaborador de David Bowie, ha aportado sensiblemente a la banda su personal forma de tocar las seis cuerdas en los directos y ahora también en canciones como "Warsong", con una afilada distorsión añadiendo angustia a otro desarmante tema.

"Drone:Nodrone" sorprende por su vigorosidad no exenta de inquietante lírica. El tándem que forman el riff del Sr. Gallup y el desmelene en la guitarra de Mr. Gabrels es de traca.

Robert Smith lamenta la muerte reciente de su hermano Richard en "I Can Never Say Goodbye" y unas balsámicas notas al piano cimentando una canción que corta la respiración.

EL ÚLTIMO VECINO - "Riqui" (Helsinkipro, 2024)

Gerard Alegre aka EL ÚLTIMO VECINO presenta cuarto larga duración con Riqui (Helsinkipro, 2024). Estamos ante un artista que nos ha ido regalando perlas sonoras desde 2013 servidas del mejor synth-pop, post-punk y jangle-pop del mercado. Ocasionales escarceos aflamencados han completando la receta, vistiendo una lírica que exterioriza el inquieto universo personal del barcelonés.

 
Debía resultar complicado afrontar la concepción de un álbum después de otro tan monumental como su anterior Juro y Prometo (Pias, 2022). Las expectativas eran altas, de hecho Gerard, como comentaba anteriormente, no ha dejado de alegrarnos la vida en esta última década. El desenlace no podía ser más satisfactorio, Riqui se muestra igual de majestuoso que su predecesor con un plus de cohesión entre los 10 cortes que lo componen, consolidando un armazón sonoro incontestable.

Se repite asociación a la producción con Adrià Domènech alias InnerCut en un disco que arranca con "Era de esperar" y su riff guitarrero dándonos la bienvenida a un espléndido corte. Su título se nos graba a fuego cuando llega el estribillo en lo que parece el desenlace previsible de un amorío que agoniza. La letra te volará la cabeza con versos como el inicial: <<Víctima del desvarío, tu pena sigue intacta, me quedo sin palabras, dueño de mi habitación, hijo de un vampiro, tu pena se queda en prisión, ya no entiendes nada, flecha en tu corazón>>.

Llega "Cinta" de la mano de su maravilloso vaivén jangle-pop con sabor añejo incorporado. El que fuera segundo single avance del trabajo ahonda en la decepción sentimental dotado de un luminoso estribillo como el mejor cicatrizante.

Un riff guitarrero omnipresente enmarca "Lo que quise saber" contando con la colaboración definitiva de la cantante valenciana Xenia en otra perla del conjunto. A mí me tiene el corazón robado, que quieres que te diga. Azucarada estrofa desembocando en un desdoblado estribillo evocador para concluir con esos centelleantes sintes sirviendo en bandeja de plata un último suspiro de la guitarra. ¡De traca!

Con "El último día" intentamos esquivar la melancolía sin éxito alguno. Por el camino nos llevamos poder incluso brincar como posesos entre su ritmo frenético. La rima <<no es poca cosa, necesito una pistola>> es desarmante, valga la redundancia cogida con pinzas. No abandonamos del todo la velocidad que viene "Mi chaqueta gris" abanderada por esa determinante línea de bajo. La que fuera primer single avance del álbum contiene una de las sorpresas del trabajo en forma de sugestivo saxo.

"Libreta de los recuerdos" abre la cara B del vinilo con un medio tiempo que bien podría firmar Manolo García. Ya avisamos en el inicio de estas líneas de esos latentes giros cañís de Gerard.

El drama que puede resultar, aún hoy en día, la vida de una persona trans se hace patente en "Lo que tuvo que aguantar". Las notas de sintes ochenteros de sus primeros segundos parecen querer teletransportarnos a épocas con pensamientos presuntamente más rancios y que vuelven en la actualidad recargados de retrógada mala ostia.

RAMPAIRE - "Míssils que apunten al teu cor" (Hidden DIY, 2024)

Alfred Porres aka RAMPAIRE després de publicar els EP's Sol (2015) i Pedretes (2018) més el llarga durada Aigua del cel (2021) ja té nou disc al sac amb Míssils que apunten al teu cor (Hidden DIY, 2024). L'ampostí segueix aprofundint amb el seu pop-rock de sabor anglosaxó i lletres envellutades a través d'un álbum en el que repeteix equip a la producció, enregistrament i mescles a càrrec del tàndem format per l'Albert Freixas i l'Eduard González. Ambdós, ex membres d'Ix!, també l'acompanyen com a banda a les guitarres, teclats i veus el primer, i a la bateria i les programacions el segon. Completa la formació Rubén Alcazar com a baixiste, que ha tocat amb gent com la Joana Serrat, Pep Sala o Ramon Aragall.

El disc arranca amb la pegada pop de "Quan tothom s'adorm" (videoclip insertat a peu de pàgina), una que fa que s'hagi convertit en un clàssic inmediat de la carrera d'Alfred. El treball de les guitarres és espectacular, aquí tenim la primera mostra però serà una constant en tot el trebal amb les seves distorsions mesurades i sedosos reverbs incorporats. Al final ens quedará un dubte per a resoldre: <<Quan tothom s'adorm, qui vigila el món?>>.

La nostàlgica "La primera bicicleta" fou el primer single que avançava el treball i es debat entre la tendresa de l'estrofa i la intensitat d'una imponent tornada, d'aquelles que es queden gravades a foc en el subconscient.

"Per a recordar", com el seu propi títol delata, segueix aprofundint en la memòria, en aquest cas per a preguntant-nos què s'ha fet dels nostres somnis. Ens acaronen unes notes a la guitarra elèctrica que, de tan que s'estiren, arriben a fregar el cel.

  

Temps per a entrellaçar literatura i música amb "Rutes amigues" i "Paraules". A la primera posant en valor el poderós influx dels llibres, amb referències al poemari de Joan Salvat-Papasseit inclosos. En la segona homenatjant a l'element fonamental de qualsevol obra literària o cançó, les mateixes "paraules", tal com ens exposa Alfred amb aquest cal.ligrama: <<Com fileres de formigues, vénen i van. Per llaurar les nostres vides, vénen i van. Relat, cançó, poema, vers, pronom>>.

 

La commovedora "Bon dia" mostra com enmig del contexte bèl.lic d'Ucraïna l'únic consol de dos amigues és comprovar cada matí que estan vives. El pont rondant el segon minut, refinada bateria i sol de guitarra inclosos, és una d'aquelles pistes que ens anem trobem durant l'escolta per a confirmar-nos que estem davant d'un àlbum estratosfèric. Per a més inri asoma el cap un altre moment líric premium del treball: <<La llum ja s'adorm, se desdibuixa el món i una campana llunyana vetlla el nostre son>>.

    

Arriba la cançó titular "Míssils que apunten al teu cor" i amb ella la balada del disc amb uns cors injectant sugestió a un tall ja de per sí prou estimulant. Els sintes a lo Vangelis, una subtil electrònica i la marcial percusió completen tres minuts i quaranta cinc segons simplements meravellosos.

 

"Després del tro", inquietant i angoixant per moments, sobretot líricament, ens mostra la cara menys amable d'aquest cel que ens envolta. Tots estem vivint baix la seva protecció però la perspectiva canvia molt depenent de la mirada que l'enfoca.

  

A "Vida nostra" se't posarà la pell de gallina amb els seus dolorosos versos abraçats per una instrumentació tan minimalista com colpidora. Una que sembla deixar entreveure el batec d'un cor que mai acompanyarà a uns pares ansiosos per a estimar-lo.

TIGER MENJA ZEBRA - "Admirables" (Dog From Hell Records / Astro / Ataque!, 2024)

D.A.R.A.L. y DJ Dražen Petrović junto a los hermanos Tavo y Pablo García son la actual alineación de TIGER MENJA ZEBRA con la nos presentan un álbum muy especial: Admirables (Dog From Hell Records / Astro / Ataque! 2024).

La banda catalana vuelve con nuevo proyecto tras la publicación de lo que denominaron la "Trilogía de la autodestrucción del ser humano", oseasé los tres álbumes anteriores: Com començar una guerra (2012), Super ego (2014) i Anarquia i mal de cap (2017). Ahora dedican su electrónica visceral a homenajear a ocho personajes diversos de la cultura y el deporte. El título del trabajo no podía ser más explícito, son gente a la que "admiran" y aprecian.

Cuesta no ponerse un poco sensiblero ante la naturaleza de esta obra y más tal como empieza, y luego cómo acabará, enmarcando un ejercicio de simetría con alto voltaje emocional. Para abrir el melón se elige una conversación imposible de barra de bar entre el grupo y Pepe Rubianes, protagonista de los dos primeros pasajes del disco. "A Round With Pepe Rubianes Talking About Death" es la intro perfecta, además nos deja con una media sonrisa nostálgica en el jeto. Lo entrañable da paso al primer corte extrictamente musical con los TIGER MENJA ZEBRA dándole a las gruesas bases y loops hiperactivos, incitando al baile de autómata, del que uno no se escapa sin sudar la camiseta.   

El siguiente mencionado es el músico francés Michel Cloup (Diabologum, Expérience) con "Michel Cloup - Anti Portrait" (videoclip a pie de página). El mismo presta sus palabras para vestir esos insaciables loops apaciguados por unos ensoñadores chispazos de sintes.

Arrebatadoras atmósferas industriales acompañan la referencia al escritor y compositor Víctor Nubla (Macromassa). Luego nos espera el volvernos tarados perdidos de la mano del humorista y dibujante Miguel Noguera y esa mezcla entre EDM y experimentación surrealista que resulta su corte dedicado.

Eric Cantonà también tiene lugar en el corazoncito de TIGER MENJA ZEBRA. Realmente la naturaleza del futbolista francés nos encaja a la perfección con el talante del ahora cuarteto. Estos espíritus libres nos regalan uno de los cortes más inmediatos del conjunto, si se puede calificar así tratándose de quienes son sus creadores. El estribillo se graba a fuego culminando un big beat demoledor.

La cantante y guitarrista estadounidense Kim Gordon contagia su aureola experimental a la banda con el minuto inicial de su correspondiente pista. Después el ambiente se va volviendo evocador para ir derivando hacia el increscendo ruidista en otro de los momentos ultra sugestivos del álbum.

PERDÓN - “Debería cuidarme un poco más” (Sonido Muchacho, 2024)

Leyre Ortiz, Irene Riquelme y Arturo Casabuena son PERDÓN y vienen ofreciéndonos alhajas tontipop des de 2019. Una amistad surgida de la universidad y que culmina musicalmente con la publicación de su disco debut Debería cuidarme un poco más (Sonido Muchacho, 2024).

Las murcianas, armadas de sintes y desasosiegos propios de la Generación Z, arrancan el álbum con la lánguida intro "No te quiero olvidar". Esa interpretación pseudo-acústica será un espejismo porque enseguida llega "Desaparecer" (videoclip insertado a pie de página) con el patrón marca de la casa del trío, ellas mismas no lo pueden definir mejor: "música tristona con ritmitos chachis para cuando estás un poco triste". Esta vez sus centelleantes notas visten la angustia ante lo que hacer en el futuro.

Que no te confunda su envoltorio naíf porque PERDÓN cuentan verdades como puños. En "Tiempo libre" reivindican junto a Aiko el grupo las bondades de la pereza en medio de una sociedad que nos aboca al hiperactivismo. Un riff de teclado de recreativos es la base sobre la que se cimentan versos tan lapidarios como: <<... y si me entretengo con un palo, qué más da, no quiero que me miren mal y si me divierto haciendo nada, qué más da, no entiendo que es lo que he hecho mal>>.

Marcelo Criminal colabora en el coqueto medio tiempo "Plan Bolonia 2009" exponiéndose sin filtro la decepción hacia el ámbito académico y profesional. Pasaremos a las inquietudes sentimentales con "Igual, amor", desilusiones que se superan mucho mejor en compañía de sus juguetones teclados.

"Absolutamente nada" con Marco Frías (El Buen Hijo) ahonda en la holgazanería culminada en un estribillo con soniquete a añejas cantinelas infantiles.    

Con la melancólica increscendo "Y seguí durmiendo" la amargura ante una ruptura amorosa se puede incluso brincar en el estribillo, así son PERDÓN. El break en su parte final es de traca.

 

Entramos en zona de altas emisiones luminosas y vitalistas con el siguiente tridente de cortes: el baladón "Primavera", las zigzagueante "Valleperdido" y el triunfo del amor en "Tal como soy", contraprogamada con la pesadumbre de la conmovedora "La identidad fatal del enamorado" junto a Ana Cano.

JOANA SERRAT - "Big Wave" (Great Canyon Records, 2024)

Big Wave (Great Canyon Records, 2024) es el sexto álbum en solitario de JOANA SERRAT. Con la producción de Matt Pence (Jason Isbell, John Grant) estamos ante el trabajo con más novedades en la carrera de la catalana. El de Missouri ha inyectado al americana característico de Joana una sobredosis de reverberación y distorsión. En definitiva, más experimentación y crudeza al servicio del desahogo emocional de la artista de Vic. El resultado es un disco oscuro, incómodo, por momentos angustioso, que acongoja y embelesa a partes iguales. 

"The Cord" abre el melón de Big Wave. El que fuera primer single avance muestra su naturaleza ya desde el minuto cero, con esa atmósfera densa y enrarecida supurando amargura al cuadrado. Si no querías caldo, pues toma dos tazas ya que llega "Feathers" con su aproximación al rock alternativo más áspero cimentado sobre la línea de bajo sintético del moog, toda una revelación de cara a dotarle personalidad inusitada al disco. Una constante recriminación hecha canción en la que Joana se rebela contra la presunta integridad ética de una sociedad que reprime y encorseta.

Foto de Janie Jones

    

En el medio tiempo "Freewheel" se menciona esa gran ola que da título al trabajo, una que puede pasarte por encima con su poderío surtido de traumas e inseguridades. Todo y con ello estamos ante una de las canciones rítmicamente más luminosas del conjunto, una delicia, con ese break hacia su ecuador culminado por el solo de guitarra descomunal de Joey McClellan (Midlake, Rufus Wainwright, John Grant), pura maravilla.

   

Vuelve a aparecer la densa niebla con "Sufferer" (videoclip insertado a pie de página) acompañándonos en este viaje hacia las tinieblas. Percusión sombría, electrónica punzante, abatidos rasgueos guitarreros... vistiendo una desesperación que traspasa, puedes sentir su roce. Seguimos entre arenas movedizas con "Tight to you" y ya sabes lo que pasa con ellas, cuando más te revuelves más te hundes.

  

La melancólica "This house" es la primera de las dos baladas del álbum, tan preciosa como desgarradora. Jesse Chandler (Mercury Rev, Midlake, Beth Orton) al piano, Matt Pence jugando con el armonizador Eventide y Joana a la voz llevándonos de la mano hacia una casa devorada por llamaradas sentimentales.

 
Con "Are You Still Here?" la luz ilumina toda la estancia, esta vez sin filtros. Un bombón de tema dedicado a su abuela en el que se demuestra que cuando se entrelazan ternura y amor incondicional ambos seran para siempre.

"Big Lagoons" es emotividad 360º, la segunda y última balada del disco. Con un desarrollo sosegado se envalentonará sin aspavientos sobre los dos minutos y medio de metraje. Mientras, llegamos a una de esas canciones que hay que oírlas para creerlas con "A Dream That Can Last". La tristeza que contiene contrasta radicalmente con su ambiente bucólico, de cuento de hadas, muy a lo ENYA. El truco final es que, pese a que intervienen solo dos guitarras acústicas como instrumentos, la utilización del armonizador incrementa hasta el infinito el empaque sonoro.

PERRO - "¿Te acuerdas?" (Sonido Muchacho, 2024)

Adrián Albacete (bajo), Guille Fabregat (voz y guitarra), Aarón Díaz (batería y teclados) y Fran del Valle (batería) son PERRO y están de vuelta con un quinto álbum bajo el brazo. Tras una parada de la actividad en 2019 su regreso no podía ser más esperado y a la postre más convincente. ¿Te acuerdas? (Sonido Muchacho, 2024) se muestra poderoso desde su arranque "Escucha pariente", primer single del retorno de los murcianos armados de un noise-pop que regula a las mil maravillas la crudeza con la melodía y esos estribillos que se marcan a fuego en el subconsciente. El viraje rondando el segundo minuto y medio es de traca. 

"Gracias, de nada" son guitarras rasgantes, línea de bajo señorial y baterías detonadoras, sí, sí, en plural que son PERRO. No acabo de descubrir nada, la banda va de este palo desde sus inicios de actividad allá por finales de 2010 y en el presente trabajo muestran un óptimo tono muscular. El recoveco del último minuto armado de distorsión al cuadrado resulta tan atronador como hipnótico.

Súbete a la acera, rápido, que llega el post-punk arrolador de "Coches chungos, trompos guapos" y, como su título sugiere, puede incluso atropellarte. Trepidante, con una letra que es aviso para navegantes: <<una vez se acabe la moda, volveré con un puñal en la boca>>. Le sigue la tropical estrofa del medio tiempo "Y si no revienta" desembocando en un estribillo que se debate entre lo enérgico y lo cadencioso. 

El romance entre las guitarras y el bajo sigue más fogoso que nunca y en el kraut-rock de "Me vas a perder" (videoclip insertado a pie de página) llegará a su climax mientras te vuela la cabeza. ¿Estamos ante el tema definitivo de PERRO? Nosotros ya lo hemos colocado entre los hits estatales de 2024. Nacida para ser una bomba en directo con su incisiva estrofa, la paradiña del puente y el punkorro estribillo. Luego llega ese tremendo viaducto de dos minutos y medio in crescendo, con la percutora línea de bajo charlando animosamente con una guitarra que se va gustando y mucho, para retomar la senda inicial concluyendo un corte todo él para enmarcar. Nos apuntamos a pies juntillas a su cierre lírico: <<¿Ahora qué? (¡Hedonismo!)>>.

"Alguién tiene que mandar" con ese cóctel jugoso de guitarras jangle-pop, sintes centelleantes y percusión desmelenada cierra la cara A del vinilo. Uno que arranca en su reverso con la inquietante y demoledora "Alguien te mira", el corte más extenso del conjunto con sus sinuosos cinco minutos de duración.   

Han liberado a la bestia y "Ejercicios de fe" muestra el lado más visceral y psicodélico de los murcianos, pura locura. Mientras, "Me duele España" es la sorpresa del disco, con sus ritmos pro-funkies vistiendo un corte que reflexiona, al modo PERRO, sobre las contradicciones de la convulsa actualidad socio-política estatal.

JOAN COLOMO - "Tecno realista" (Montgrí, 2024)

 

JOAN COLOMO (Sant Celoni, Vallès Oriental, 1981) sigue merodeando la senda pesimista que evidenciaba el título de su anterior referencia Disc Trist (2021). Su octavo álbum en solitario Tecno realista (2024) contiene además cambio de discográfica, migrando de su sello de siempre Bcore Disc a Montgrí. 

El barcelonés arranca el presente trabajo con el corte "Tot és molt difícil" (videoclip insertado a pie de página). Ya avanzaba que no soplan buenos aires para la euforia pero es que solo hace falta habitar en este planeta para que uno pille el concepto. Eso sí, la ironía y guasa grabada en el ADN del artista ayuda y mucho para hacer la escucha, igual que como en la vida, más placentera. Los obstáculos que van surgiendo en la convivencia diaria en una gran urbe como Barcelona son la excusa perfecta para abrir las puertas al disco vestidos con una delicada pieza acústica.  

Tras esta intro que jugaba un poco al despiste, la brit-popera "Dona'm quelcom" empieza a exponer la verdadera cara rítmica que nos acompañará durante esta travesia reflexiva sobre la deriva hacia el colapso global que es Tecno realista. Esta lista de peticiones de lo que uno necesita para poder sobrevivir con dignidad nos lleva de la mano hacia "Filles d'Internet". Crítica mordaz a las "bondades" de estar conectados constantemente a la red. Su ritmo animoso, con pinceladas cabareteras incluidas, amortigua un drama que nos va consumiendo silenciosamente.

En "Brossa nova espacial" Joan coteja los términos "brossa" (basura en catalán) y "bossa" de "bossa nova", una de electrónica que es al final lo que resulta ser esta canción. Enmarcando una crítica velada al afan generador de residuos característico de este capitalismo salvaje que nos envuelve y del que somos, en mayor o menor medida, partícipes. 

"El meu cap" es la confirmación de que nuestra cabeza sea uno de los pocos ríncones exquisitos que nos queden donde sentirnos seguros, abstraernos de lo que nos rodea, cogernos unas diarreas mentales del copón o todo en comunión. Refinado pop electrónico aliñado de sugestivos recovecos, coros, casiotones... JOAN COLOMO en su máxima expresión.

     

La "Extinció final" es hacia donde se dirige la humanidad, no hay novedad al respecto. La prioridad es que no pare la fiesta, cueste lo que cueste, su lírica lo expone sin paños calientes: <<La festa no es pot aturar, hem de cremar més combustible. Som un públic fidel d’aquest festival turbo capitalista / Les glaceres es fondran, ens cobriran els oceans. La humanitat ha decretat, tant se val seguim igual, fins a l’extinció final>>. 

"Geoenginyeria" sería algo así como la balada del disco, una de sideral con su aureola ingrávida incorporada. Otra perla incrustada en Tecno Realista y llevamos unas cuantas. Aquí la sequía por el cambio climático sería el leitmotiv principal.

El sugerente medio tiempo "La síntesi", con vocoder incorporado en su tramo final, nos conduce al tramo final del disco. El que llega con la trepidante "El ball", una más que estimulante invitación a saltar a la pista de baile sin tapujos ni vergüenzas, a mover el esqueleto como si no hubiera un mañana, completando el tema más hedonista del conjunto.

LOS PUNSETES - "Madrid me ataca" (EP Sonido Muchacho, 2024)

Estamos en el año de LOS PUNSETES, en el que cumplen su 20 aniversario como banda. De momento lo han empezado a celebrar con un 7" de nombre Madrid me ataca (Sonido Muchacho, 2024). Cuatro zarpazos guitarreros de los que tanto nos endandilan el quinteto de la capital del reino. 

A final de 2024 verá la luz un recopilatorio muy especial con la revisión de sus hits por parte de 21 formaciones de lo más granado del pasado, presente y futuro del panorama musical patrio. Pero esto ya será otra historia sobre la que nos explayaremos en su momento.

Arranca la escucha de este EP con la canción titular exponiendo sin tapujos esa relación bipolar que mantiene la banda con su ciudad. El riff guitarrero introduce una convincente estrofa que va evolucionando melódicamente hacia el cautivador estribillo. Nada nuevo en el modus operandi de LOS PUNSETES y que siga así por mucho, mucho tiempo.

Un soniquete muy a The Stokes nos envuelve de entrada en "Un palacio con mis huesos". Un corte con lírica inquietante cimentando un estribillo de aquellos que se graban a fuego. Pero aún falta el truco final y viene en forma del épilogo ultra coreable a lo "lo, lo, lo..." intentando perpetuarse hasta el infinito y más allá.  

 

Entramos en la cara B del vinilo con el torbellino anti-capitalista "TIN/TAE", en las antípodas rítmicamente del cierre del trabajo, el arrebatador medio tiempo "Todos los lugares", con ese saborcillo a Joy Division incorporado en la estrofa.

MARIA JAUME - "Nostàlgia Airlines" (Bankrobber, 2024)

MARIA JAUME (Lloret de Vista Alegre, 1999) debutó discográficamente en 2020 con un delicado folk acústico con tímida tendencia hacia el pop incluido en Fins a maig no revisc. Luego siguió su desarrollo sonoro abrazando totalmente el pop en Voltes i voltes (2022), uno de cálido y aterciopelado, muy mediterráneo, por otra parte lógico siendo ella mallorquina. El sencillo "Lo que romp es coret" (2023) cerraría esta segunda etapa.

¿Cual sería la próxima pantalla estilística a superar por Maria? Con Nostàlgia Airlines (Bankrobber, 2024) la evolución resulta si cabe más sorpredente al plantarse con un pop electrónico bajo el brazo, por momentos con claro apego a la pista de baile. Además jugueteando con otros palos sonoros, sumándolos a esta auténtica fiesta del balearic melancólico más contemporáneo.

Producido por otro mallorquín, Lluís Cabot (Da Souza), consolidando ya un tándem al repetir en esas lides al igual que hizo con el anterior álbum de Maria, en este además sumándose al 50% en la vertiente compositiva. Nostàlgia Airlines orbita temáticamente sobre dos pilares: el turismo y las relaciones sentimentales, con historias que entrelazan los dos conceptos de principio a fin. Para rizar el rizo van apareciendo entre sus notas flashes protesta respecto a la invasión guiri que sufren las Islas Baleares. Añadiría por extensión otros lugares turísticos de mar y borrachera como Barcelona, dónde los habitantes también se ven expulsados de sus casas y calles por la ola especuladora Airbnb sumada al asedio crucerista.

Antes de empezar con el repaso al disco aviso que estamos ante uno de los grandes trabajos estatales de lo que llevamos de 2024, opositando a colocarse entre lo más granado a final de año. Ahora sí, arrancamos con "Pura geografia", el primer gran hit del disco y de la carrera de la artista. Un amor a distancia condenado al fracaso fundido con un electro-pop elegante, no exento de reposado subidón. Bailando sobre las cenizas de una relación imposible. 

En "Super mala pinta" aparece la primera colaboración del trabajo, en este caso la de Clara Vinyals (Renaldo & Clara). La base sutilmente afrobeat viste una sugestiva progresión en un corte que transpira sensualidad, arena y brisa marina por los cuatro costados. 

Vuelve el desamor que abria el álbum con "Quina pena" y un adictivo riff de sinte poniendo el lazo de regalo a un corte tan efímero como sugerente. Sirve además de intro perfecta para otro de los momentos cumbres del trabajo: "Trista a Miami". Ideal para subirte a la pista de baile, aunque sea con lágrimas en los ojos. La cantante Julieta completa magistralmente un dueto mágico, de aquellos para el recuerdo. El seductor reggaeton subido de bpm emmarca un himno a la morriña amorosa.    

       

Seguimos nostálgicos al cuadrado con la enorme "Mala via" y sus recovecos de inquietos beats con hechizo constante incorporado, o lo que viene siendo, MARIA JAUME firmando una perla más de Nostàlgia Airlines y las que faltan por venir.

La breve "Cala rajada 1964", incluyendo en su ocaso el sample de "Bajo el Cielo de Palma" del cantante y compositor también mallorquín Bonet de San Pedro (1917-2002), nos abre la puerta a "Hoteles, sol y playa". Se viste de color sepia, sabor tropical y añoranza de tiempos más "sostenibles" otro de los momentos plus estimulantes del álbum. La brillante colaboración de Pau Debón, la voz de los Antonia Font, le pone la guinda. Aquí aquello de "cualquier tiempo pasado fue mejor" sienta cátera. ¿Cómo una canción denunciando la salvaje explotación turística que soportan las Baleares puede resultar a la vez tan placentera a los oídos?  

Con "Xin xin i bye bye" seguimos surfeando esa ola melancólica que envuelve a MARIA JAUME en general e impera en este trabajo en particular. El amor rara vez es para siempre, aquí su huella se describe en parte en italiano, medio en serio medio en broma, como intentando de esta manera engañar a la pena. Cierto es que bailando todo se supera mejor. 

La pro-urban "Ella sempre crema" desata las pasiones más carnales en un corte que chorrea hedonismo. La paradiña hacia su ecuador es de alto voltaje, uno de los múltiples detalles que revelan que estamos ante un disco especial.

SERCH. - "Introspectiva" (Flor y Nata Records, 2024)

SERCH. han publicado su quinto álbum de estudio con Introspectiva (Flor y Nata Records, 2024). Se trata de un recopilatorio nada convencional, con lavado de cara de las canciones seleccionadas adaptándolas a la realidad actual de la banda, traspaso de idioma del inglés al castellano e inclusión de cuatro temas nuevos. Oseasé un trabajo muy especial con el que conmemorar los 10 años de vida como formación. Sergio Salesa (voz y letras), Miquel Cellalbo (guitarras, teclados adicionales y producción), Carlos Vallecillos (teclados) y Andrea Visentín (bajo) aglutinan lo mejor del post-punk, el pop electrónico y el glam-rock añejos teletransportándolos a nuestros días previo paso por su filtro contemporáneo.   

El disco arranca con la poderosa "Extraños sin nada que perder" con ese saborcillo ochentero de gente como New Model Army o los Sister of Mercy. La banda barcelonesa cuando se pone intensa alcanza niveles de embrujo inusitados, lo que será una constante durante toda la escucha.

Seguimos enérgicos con "Formas" y una imponente estrofa armada de densos sintes y percusión hiperactiva que desemboca en un estribillo que, de tan melódico, desarma.

"Desde la radio" se erige como una de las versiones respecto a la original que más me ha fascinado con un aumento sensible en su profundidad, sonando más cavernosa, quizás en parte por un mayor peso protagonista del bajo. 

"La rabia" (videoclip insertado a pie de página) forma parte de las 4 canciones nuevas que forman parte de Introspectiva. Lanzada como segundo single trata de esa indecisión que nos ahoga, promesas que no se cumplen, la manía que tenemos de procrastinar por sistema, convirtiendo lo pospuesto en irrealizable. Musicalmente es arrebatadora, con centelleantes sintes, estribillo redondo y una atmósfera que intenta zafarse de la oscuridad a golpes de subidón. 

Un bajo muy a lo Peter Hook nos coge de la mano en "Hermanos" y no nos suelta pese a la aparición de su explosivo estribillo. Además rondando el segundo minuto y medio elige desmelenarse y de qué manera.

Cabalgando a lomos de "Mi rendición" llegamos a una de las canciones cumbre de la carrera de SERCH., la balada "Eterno". El frontman Sergio Salesa la dedica a su padre surpurando emotividad al cuadrado y alcanzando el techo emocional de la banda hasta el día de hoy.  

La deslumbrante "Niño" es músculo y épica a partes iguales, con unas gloriosas guitarras abrazando su melancólica naturaleza. Otros de mis crush de SERCH. Le sigue el segundo de los temás inéditos, la trepidante y grandilocuente "Perdidos en Varsovia". Cuidado que puede llegar a zarandearte con su magnetismo salvaje.

"Solo conexión" nos da la bienvenida con un riff guitarrero, enseguida unos centelleantes sintes les darán la réplica. SERCH. siguen a lo suyo, directos a la yugular, sin escatimar en poderío sugestivo.

La única pieza instrumental del conjunto es "Brumas", también entre el cuarteto de novedades que nos ofrece el disco. Aquí Carlos Vallecillos se luce con unos densos teclados que llenan de inquietud la estancia y es que su título no engaña.

Llegamos al que fuera primer single avance de Introspectiva, el último tema nuevo que nos quedaba por degustar: "Nueva situación". Bajo percutor, guitarras incisivas, sintes resplandecientes y Sergio dándolo todo al micro, oseasé SERCH. en estado puro marcándose un nuevo clásico en la carrera de la banda barcelonesa.