TRASHI - "Me acuerdo de todo" (Vanana Records, 2025)

Tras la publicación de un par de EP's llegó el momento de que TRASHI debutara en formato largo con Me acuerdo de todo (Vanana Records, 2025). Sergio (voz y guitarra), Luz (guitarra), Luis (bajo) y María (batería) confirman los mejores augurios desplegados desde su ilusionante aparición en 2020 con el single "No me ves :(". 

 
Estamos ante un disco generacional donde los desasosiegos propios de cuatro jóvenes, con la nostalgia como leitmotiv dominante, son embalados en 14 canciones rebosantes de un evocador pop con flashes urban incorporados.

Me acuerdo de todo arranca con la bucólica instrumental "Intro" que enseguida da paso a "Reventarme", la primera en la frente de los murcianos. Que no te engañen sus luminosas notas, la melancolía manda y así seguirá durante gran parte de la escucha. Rasgueos guitarreros yendo de la mano de unos sintéticos coros dan la bienvenida al liviano autotune que lleva insertado Sergio, para acabarnos de ganar con un estribillo que se pega como chicle a tu zapato.

Foto de Jesús Leonardo

"Te encuentro" es pura frescura melodramática. El break con el piano después de la primera aparición del estribillo es de traca. Un corte que si durará un minuto más tampoco pasaría nada, te dejará con ganas de más. Como mínimo merece multiplicar por 10 sus reproducciones en streaming. 

La norteamericana Chelsea King es la primera de las colaboraciones del álbum apareciendo en la sugestiva "Dime baby" (videoclip a pie de página). Majestuosa, una cuesta abajo sensorial que atrapa, eleva y sana. 

"Coma profundo" tiene uno de los estribillos más rompedores de la carrera de TRASHI y eso es decir mucho tratándose de una banda con tanta pegada. Arrebatadora, con una lírica de acorde a la intensidad reinante: <<Siento que siempre he estado en un coma profundo, de que he despertado hace solo un segundo y ahora quiero verte. Y tu has dejado de esperar>>. El bajo aquí se muestra bien percutor, lo revienta.

Seguimos en modo ensoñador con "Tú y yo y nadie más", con una guitarra acústica que va abriéndose paso entre chispazos vaporosos hasta que llega el sorprendente contrapunto rítmico en modo de explosivo final. Uno que prácticamente se enlaza con "Por la noche" y la añoranza de alguien bien importante en tu vida servida en un vigoroso empaque guitarrero, sobretodo en su desgarrador estribillo.

La cara B del vinilo se despereza de la mejor manera con la canción titular y otro de aquellos estribillos que convierten un tema en clásico instantaneo. En "Me acuerdo de todo" la piel de gallina no será negociable. Enorme medio tiempo, colocando el listón de emotividad en la estratosfera. Los teclados pedían espacio de honor en el trabajo y ya se sabe, quien siembra recoge. Mientras, Sergio desgañitándose soltando versos demoledores: <<Dejé la puerta abierta para que volvieras y cuando me di cuenta, no, ya no es lo que era>>. Maravillosa.

La trepidante "Uno más", con la intervención estelar de Zahara, se reivindica como hit incontestable. Un excitado saudade con bajo y guitarra entrelazándose hasta el nudo. Desprende tanta angustia como embrujo.

Necesitábamos un respiro y TRASHI nos lo facilita con un "Interludio" instrumental reparador. Será un espejismo sí, porque llega "Fentanilo" armado de un flow que puede resultar igual de adictivo. Lo sentimos, caímos en la tentación del chiste fácil.

CAROLINA DURANTE - "Elige tu propia aventura" (Sonido Muchacho/Universal Music Spain, 2024)

La carrera de CAROLINA DURANTE va sin frenos. El bagaje acumulado en ocho años con varios singles, tres álbumes de estudio, colaboraciones con gente como Amaia, Jota (Los Planetas) o Santiago Motorizado y multitud de conciertos les lleva a embarcarse ahora en su primera gira mundial, visitando varias ciudades latinoamericanas y europeas. Parte de culpa la tiene seguro la acogida de Elige tu propia aventura (Sonido Muchacho/Universal Music Spain, 2024), patada definitiva de los madrileños en la puerta del olimpo musical estatal.

Diego Ibáñez (voz), Martín Vallhonrat (bajo), Juan Pedrayes (batería) y Mario del Valle (guitarra) venían facturando perlas power-pop a manos llenas pero quizás les faltaba el lazo de regalo en forma de un álbum redondo, con empaque suficiente como para convertirles en abanderados de una generación. Pantalla salvada con Elige tu propia aventura, mostrando sus credenciales doradas desde el arranque, la bipolar "Joderse la vida". Siendo su temática descarnada esa jaranera estrofa sinfín nos envuelve en una neblina de abatido poderío. Bendita contradicción.

"Normal" contiene la colaboración de Rosalía en un corte que empieza con unas notas al aire de piano para enseguida ser absorvidas por guitarras distorsionadas, nos atrevemos a apuntar a la influencia del reputado productor británico Ali Chant, pulidor del sonido de CAROLINA DURANTE hasta alcanzar el excelente en este trabajo. No deja de ser curioso que la "cuñi" de Diego participe en una canción de despotrique sobre una ex.

El lado más punk de la banda asoma la cabeza con "Tomé café". Aquí el frontman parece poseído por los efectos estimulantes de la ingesta incontrolada de este líquido elemento. Llega la agridulce "San Juan" y con ella un cierto apego cumbayá, ni que sea por la armónica, los coros y la guitarra acústica.

Ese punteo guitarrero en el puente antes del estribillo del melancólico medio tiempo "Verdes, césped" me trae loco. Una canción que brilla como esa estrella que menciona, de la que nos cuentan: <<Una vez le pedí un deseo. Y es que si te fueses no fuese un infierno. Pero mis deseos nunca se cumplen>>.

El tema titular contiene el ADN conceptual del disco. "Elige tu propia aventura" es lo que haces día a día, equivocándote, cayéndote y levantándote, estropeando, arreglando, incluso a veces acertando de primeras, las menos. La canción más intimista es también la de más carga melódica del conjunto con unos arreglos orquestales finales como guinda para un corte arrebatador.

"Misil" deja poco margen a la imaginación, es una canción de amor sin filtros. Qué guapo es el enamoramiento y si además viene vestido con un estribillo de alto copete, miel sobre hojuelas.

 

Un saborcillo a sonido Madchester se cuela en el disco a través de "Tempo 2" (videoclip a pie de página) y su línea de bajo como base impecable para cimentar una relación tóxica. Enseguida recuperaremos la velocidad gracias a "Monstruo", con la tan sorprendente como efímera participación de un sitar.

SHEGO - "No lo volveré a hacer" (Ernie Records, 2025)

 

Ni que decir tiene que las SHEGO son una de las bocanadas de aire fresco más arrebatadoras de los últimos años en el panorama musical independiente patrio. Dando guerra desde 2020 con varios singles, un par de premios, un EP y el ilusionante debut en formato largo Suerte, chica (2023), ahora nos traen más madera con su segundo álbum: No lo volveré a hacer (Ernie Records, 2025).

Maite Gallardo (voz, guitarra), Raquel Cerro (voz, guitarra) y Charlotte Augusteijn (bajo) confirman los mejores augurios ganados a pulso durante este último lustro en treinta y dos minutos de estimulante punk-rock enmarcando un disco que transita por las fases de lo que viene a ser un amor tóxico de manual. 

"Un secreto" arranca el disco dejándonos con ganas de más desde el minuto 0. Y es que sus desgarradores minuto cuarenta y cinco segundos son un empiece de trabajo demasiado placentero como para no alargarlo un minutillo más. Ese bajo iniciático se manifiesta como puñetazo encima de la mesa, somos SHEGO y seguimos liándola parda. Este tema da sentido al dicho de que en el bote pequeño está la buena confitura.

Foto de Adri Cuerdo

Se consuma la ruptura sentimental con "Aunque duela": <<Hay días que aún me dura y me arrepiento pero luego me acuerdo que... Aunque duela es mejor así, me parece lo mejor para mí>>. Los poderosos rasgueos guitarreros que enmarcan el tema parecen sellar un categórico: ¡A tomar por culo! La melódica parte instrumental le pone la guinda a otro estupendo corte.

El riff de guitarra omnipresente ejerce de cicerone perfecto para la deslumbrante "arghHhh!". Estrofa de terciopelo presentando un estribillo que es empoderamiento al cuadrado. Esta onomatopeya sonora incluye final apoteósico con un bajo que está que se sale.

Con "Mantra" parecen decididas a seguir las indicaciones derivadas del título disco pero ya se sabe: <<No lo volveré a hacer, luego lo hago otra vez>>. Y eso que insisten, lógicamente al modo "mantra", como quiriendo dar un empujoncito al autoconvencimiento. Los gritos que escoltan el guitarreo sentencian una redención a todas luces inútil.

Llega la melancólica "Manifesting" y con ella la canción más redonda del álbum, y eso es decir mucho teniendo en cuenta el magnetismo reinante en toda la escucha. Sugestiva estrofa, puente incisivo, estribillo desarmante y unas guitarras que cuando nos traen de vuelta resuenan mucho a los The Strokes más inspirados. Pura maravilla.

En la encantadora "No quiero" se nos cuela un sutil sabor surfero con esos sutiles coros abrazando el trabalenguas <<No puedo, ni quiero, ni debo, ni puedo, quiero>>. Luego nos embarga la languidez nostálgica de "Algunos lunes" y parece que nos falte incluso la respiración. Pero tranquilas que llega "La fiesta" para remontar subiendo las escaleras de tres en tres. Ese punzante riff guitarrero secundado por un bajo muy jefe te guiaran hacia la primera bacanal que se ponga a tiro.

El medio tiempo "Backstage" traspira desesperación y angustia, un querer salir del hoyo sin saber demasiado bien cómo. El increscendo tramo final remata atisbando reacción: <<No es tu culpa ni es la mia, hace tiempo que lo puedo ver>>. La misma que se confirma en la hedonista "Curso avanzado de perra" (videoclip insertado a pie de página), dónde aquello de que "quien pega primero pega dos veces" se hace religión. Poderío y rebeldía con unas guitarras y bajo cogiéndote bien fuerte de la mano para ponerle el lazo de regalo al decreto final:<<Cada día en el mundo vas a ser tan feliz, nada va a dolerte, nadie te va a destruir>>.

Reciente concierto en Castellón

La acústica "(es posible)" contiene lo que parece ser la mayor colaboración nunca vista en una canción estatal, exceptuando proyectos solidarios, ahí es nada con: agosto, Alvadera, Casero, Clara Redi, El Buen Hijo, Ganges, Ghouljaboy, Ginebras, Grande Amore, interrogación amor, Kimberley Tell, Las Dianas, Lucy Morry, mariagrep, Menta, Mira Paula, Repion y Toldos Verdes. Más allá de records Guinnes estamos ante un canto a las cosas buenas de la vida, las que nos hacen mejores personas o solamente nos proporcionan un soplo de efímero placer. La guinda la pone un rabioso último minuto acompañando los versos finales: <<Cuando la vida sea buena todo el rato, ¡De una puta vez! Llegarás a mis brazos>>.

PUMUKY - "No sueltes lo efímero" (Keroxen, 2025)

 

Los hermanos Jaír (voz, guitarra eléctrica y sintetizadores) y Noé Ramírez (guitarra eléctrica), miembros fundadores, junto a Mariano Gracia (bajo) y Albert Morales (batería) son la alineación actual de PUMUKY. La que podemos oír en No sueltes lo efímero (Keroxen, 2025), el nuevo hito sensorial de los canarios. 

Hacía diez años que no publicaban un larga duración tras el Justicia Poética (2015) aunque nos amenizaron la espera con el EP Castillo interior en 2020 y sus posteriores remixes, además del single Metahackeo (2022) junto a Elinor Almenara de VVV [Trippin'you]. Las circunstancias provocaron que menguaran a dúo parental sustituyendo la batería por una caja de ritmos. Ahora, otra vez como banda al uso, vuelven desbordantes de energía melancólica marca de la casa, pasándonos por encima como una apisonadora emocional que a su paso hiere y cicatriza. 

Con la intervención del distinguido productor Raúl Pérez No sueltes lo efímero trata de eso, de dar importancia a lo realmente importante, por poco que parezca mientras suceda. Siempre que te deje con media sonrisa o genere un soplo de felicidad, valdrá la pena agarrarlo bien fuerte hasta que se desvanezca. PUMUKY culminan la experiencia con sus embriagadoras armonías slowcore y shoegaze características.

El disco arranca con la desgarradora "El salitre de tus labios" reprochando la muerte del ser amado: <<Al despertar te habías ido sin avisar. El calor de tu presencia se empezaba a disipar / Cómo quedaron tantos planes sin acabar. Marchitándose en mi pecho, no me dejan respirar>>. Unos lánguidos acordes guitarreros van desperezando la escucha presentando a Jaír soltando los primeros versos. Luego la canción va cogiendo carrerilla en sosegado in crescendo con todo el grupo implicado, hasta que rondando el segundo minuto y medio despliega sus alas majestuosa hasta el final: <<Y de repente, te siento en todas partes. No dejo de buscarte, no pienso olvidarte>>. PUMUKY golpeando sin piedad en las entrañas desde las primeras notas del trabajo.

En "Lo recuerdo todo" se hace evidente lo bien que se llevan aquí los sintetizadores con el resto de la instrumentación. Entrelazándose, modelando un robusto vínculo solo alterado llegando al ecuador del tema, cuando se le despega la fracción más eléctrica del combo para desfrenarse cuesta abajo. La batería coge impulso preparando un vigoroso final, enmarcando una lírica como siempre exquisita: <<No habrá ninguna forma de evitarlo… Te querré curvando el tiempo y el espacio>>.

Quizás uno de los temas más desarmantes de No sueltes lo efímero sea  "La singularidad" y eso es decir mucho en medio de tanta arrolladora sugestión. A la vez puede resultar la de más pegada inmediata. Cuatro minutos que son pura delicia de principio a fin, con ese evocador inicio armando la estrofa, desdoblándose entre sorprendente poderío. Luego aún vendrá otra vuelta de tuerca en un último tercio a modo de truco final.  

"Terriblemente bello" traspira amor verdadero, uno como el paternofilial, en este caso el que expresa Jaír a su hija en lo que dura este tierno corte. PUMUKY tienden a abrir sus poéticas letras a diversas interpretaciones pero aquí creemos haberles calado a la primera. Los rasgueos guitarreros abren las compuertas a una cascada de conmoción y afecto. Mientras llega su ocaso nos vamos resignando a: <<Que nunca acabará, que nunca se acabe… Que nunca acabará, hasta que se acabe>>.

Nos arrastramos por el suelo, sin ánimo ni para articular auxilio. "Si no sabemos dónde ir" transmite desaliento al cuadrado, aunque con un resquicio de luz salvavidas. Un balsámico riff de sintes ejerce de guia a través de la neblina aliándose con la batería que vuelve a salirse de plano en un rugiente último minuto. 

PUMUKY nos tienen acostumbrados a los finales épicos, vamos teniendo buen mostruario en este trabajo. "Estudio sobre mi rabia" no podía ser una excepción. Empezando con ligero flow enredándose en una letra rebosante de amargura: <<Sistemas caídos, sangre en los oídos, polvo y metralla, una calma extraña>>. Finiquitan armados hasta los dientes de balsámica convulsión. 

Un bajo discreto pero determinante nos coje la mano desde el minuto 0 en "Escapismo o barbarie", otro de los momentos cumbre de No sueltes lo efímero. Una canción dividida en dos, con delicada primera parte haciéndose la remolona por llegar a los fuegos artificiales de la segunda. Pocas veces evadirse tuvo tanta recompensa como bajo el influjo de esos dos últimos minutos. 

Bajamos un escalón más hacia los infiernos con "El desencanto" pero serenidad, nada es para siempre, tampoco el dolor. Para mitigarlo llegan los sintes juguetones de esta especie de vaporoso vals electrónico que es "Hablando con los animales". De hacerse realidad ese diálogo deberíamos tomar buena nota de su mensaje.

DELAPORTE - "Déjate caer" (Mad Moon Music, 2025)

Sandra Delaporte y Sergio Salvi vienen labrándose una hiperactiva trayectoria, además bien jugosa, desde su formación como banda allá por 2015. DELAPORTE llevan en su haber 3 EPs, 5 álbumes y varios singles sueltos publicados bordeando los 10 años de carrera, ahí es nada. Mientras, han ido moldeando su estilo pasando de un electro-pop con flashes de balearic o brisa tropical a abrazar ambientes más hard techno, como se confirma en su nuevo disco Déjate caer (Mad Moon Music, 2025).

 
Estamos ante lo que podría ser una segunda parte de su anterior trabajo Aquí y ahora (2024), tanto por el continuismo rítmico como porque se compone en mayor parte de cortes que no consiguieron entrar en el mismo. Lo insólito del caso es que estos considerados "descartes" se reivindican bien poderosos empaquetados en este nuevo álbum con espíritu de terapia. Para mí, superando incluso al precedente, sin duda de lo mejorcito en lo que llevan de carrera. 

El nervioso drum'n'bass de "Cagarla" nos da la bienvenida al álbum poniendo todas las cartas sobre la mesa. Y es que dificilmente podremos escuchar los siguientes treinta minutos sino es de pie, listas para brincar como posesas. Además viene con mensaje empoderador marca de la casa, el baile no está reñido con la reflexión. En el estribillo Sandra sentencia: <<Sé que yo he venido al mundo a cagarla. Y a liarla parda.Y a caer en todas mis trampas. Porque yo he venido al mundo a bailarla, jaja. Y que reviente el alma. Y a hacer de mi vida lo que me dé la gana>>. 

"Japi Mil" (videoclip insertado a pie de página) es una de las sorpresas del trabajo con ese autotune salvaje inyectado en una especie de hyperpop bipolar donde tanto puedes saltar como levitar.

Seguimos autotuneados con la bestia parda que es "Techno rico". Hardcore hedonista con este mantra por bandera: <<Hoy bailamos los dos. Voy a muerte, hoy no hay dolor. Techno rico y amor que se cura en mi interior. Hoy brillamos sin sol, pegaditos, sudorosos. Porque te lo como todo. Hoy soy libre, hoy soy yo>>.

"Somos diablos" no la vimos venir, brutalísima. Esta bachata techno que se acaban de sacar de la chistera DELAPORTE vuela cabezas. No hay respiro, es una constante en esta fiera con surcos que es Déjate caer. Mientras te recuperas de lo que acaba de pasarte por encima llega la aterciopelada melancolía dance de "Cielo ardiendo", para bailar aunque sea con lágrimas en los ojos.

¿Nos vamos de rave? A lo mejor sin saberlo ya estamos en una desde hace unos cuantos minutos. Por si acaso con "Dopamina golondrina" tenemos entrada VIP con pase express al PolyKlyn incluida. 

En Déjate caer también hay lugar para la ternura como con "Se abre el mundo (Sergionchinnn)", himno trance sin filtro a la amistad. También en la introspectiva "Rendición", aquí la cosa adquiere niveles sensoriales inusitados. Un corte que traspasa la piel, palpa corazón. Salió como single a finales de 2024 convirtiéndose en una de las canciones más estimulantes del pasado año.

ANNA ANDREU - "Vigília" (Hidden Track Records, 2025)

Tras gestar discos tan embelesantes como Els Mals Costums (2020) y La Mida (2022) ANNA ANDREU vuelve a hacerlo con su tercer álbum Vigília (Hidden Track Records, 2025). El triplete mágico que completan ella a la voz y guitarra con su pareja Marina Arrufat (batería, teclados, violín, viola y coros) y el productor de cabecera Jordi Matas, nos presentan un álbum con la melancolía como hilo conductor y un halo nocturno que envuelve, abraza, reconforta.

La conmovedora "Roja i espassa" arranca el disco muy arriba de hechizo con unos arpegios guitarreros que son pura caricia. La poética lírica que viste la obra de Anna va soltando sus primeras perlas: <<Sota la teva mirada quieta jo m’amagava dins una escletxa. Ara soc lava roja i espessa, demà la roca que no es belluga. I la teva boca que es torna muda i que ja no m’espera>>.

"Com puc" repite las palabras "añoranza" y "añoro" al inicio y final del tema a modo de ejercicio de simetría. Las plácidas notas suavizan el ambiente hasta hacer más soportable su potente peso nostálgico.

Foto de Sílvia Poch

"No té nom" (videoclip a pie de página) es delicadeza al cuadrado vistiendo un poso agridulce. Los dos puentes después de cada aparición del estribillo, entrelazando guitarra acústica con pellizcos a la viola, ponen la guinda a otro exquisito corte.

Cogemos aire con el coqueto medio tiempo "Mentrestant", flow de batería incluido abrazando los sugestivos punteos guitarreros. Ya estamos listos para la sorpresa del álbum en forma de desmelene de Anna a la guitarra. Una que muta de aterciopelada en la estrofa, como viene siendo costumbre, a afilada en el estribillo, nunca mejor dicho tratándose de una canción de nombre "Navalla". Quizás recuperando sensaciones vigorosas heredadas de su antigua banda CÁLIDO HOME.

Violín y viola nos abren la puerta a "Sencera", continuarán acompañándonos durante su desarrollo, haciéndonos navegar entre la inquietud y la ternura. Nos encontramos ante un estribillo de aquellos que calan, especialmente en su segunda comparecencia, prolongándose hasta ponernos la piel de gallina, también por su letra: <<Quina condemna haver-te de somiar, duia un ciri a cada mà i regalimant la cera. Quina condemna haver-te de somiar, no em vinguis a buscar si no em vols sencera >>.

JOE CREPÚSCULO - "Museo de las Desilusiones" (El Volcán Música, 2025)

Joël Iriarte alias JOE CREPÚSCULO con 17 años de carrera y once álbumes de estudio en su haber se rebela más certero e ingenioso que nunca con el presente Museo de las Desilusiones (El Volcán Música, 2025). Y cuidado porque viene incorporando un plus de vulnerabilidad y melancolía, lo cual le hace tremendamente peligroso.

El electropop con tendencia al petardeo del catalán se ha ido refinando con los años aunque solo lo justo como para no perder su fresca pegada. La misma que demuestra ya desde el inicio de su nuevo disco con "Bailar y llorar" (videoclip a pie de página). Un corte in crescendo que nace de la vigilia para ir a parar directamente a la pista de baile, ya se sabe que el contorneo es perfectamente compatible con el sollozo. Enseguida llegamos a otro clásico inmediato de la discografía de JOE CREPÚSCULO, "Enamorado de tu reverb". Aquí demuestra una vez más su majestría a la pluma con versos como los iniciales: <<Lo que te envuelve es una especie de resplandor, una aurora que ilumina y me da calor. Ese poso que tú dejas cuando ya no estás, flota en el aire y no me deja respirar>>. Enorme corte con un estribillo tan evidente como pegadizo. Los violines en el tramo final son la guinda del pastel.

La locura de "Infierno de dulce", solo de saxo incluido, te puede colocar tanto en un  humeante cabaret como en un sudoroso garito disco-funk. Llega "Jessica" y con ella se despliega el lado más romanticón de Joël. Ultra melódica, con unos centelleantes sintes ochenteros jugueteando con el bajo hasta que la aparición del título del disco y más allá.

Foto de Alexander Gross

La conmovedora "Kamikaze" es la única canción del trabajo que no firma JOE CREPÚSCULO. Compuesta íntegramente por su socio Aaron Rux resulta la más lánguida de las doce, con piano y voz al servicio de una lírica lapidaria: <<Y después de este baile ya no hay más, me quedo aquí contigo hasta el final>>. 

Recuperamos sensaciones más festivas con el flow retro de "Pequeño niño peluquero", con otra de las frases marcas de la casa que se grabarán a fuego en tu subconsciente: <<La vida es un trasquilón que hay entre mi pelo y yo. No sé salir, el medio se ha vuelto un fin>>.

Arranca la cara B del vinilo con el embrujo dance de "Karaoke español". Otra chaladura genial del barcelonés. Ni sus paradiñas en el estribillo pueden alejarnos de los flasheantes focos de la discoteque. 

"Hey" es la nostalgia elevada al máximo exponente envuelta en un duduá synth-pop. Unos violines son los invitados de última hora en otro corte desarmante de JOE CREPÚSCULO. Seguimos en la zona más apesadumbrada del trabajo con "Dejadme en paz". Con espíritu bipolar evoluciona des del intimismo más minimalista hasta la épica, mutando tras el break de su ecuador hacia un atmosférico synthwave.

ANIMADORA - "Sobre lo visible" (EP 2025)

Andrea Podadera, Roi Calderón, Marco Martínez, Enrico Varagnolo y Carlos Medina forman el quinteto titular de ANIMADORA, una banda que reparte arrebatadora distorsión como ginseng para tus sentidos. 

En marcha desde mediados de 2022 la banda madrileña capitaneada por Andrea (ex-Neon October) lleva publicados dos EP's: Las Corrientes (2023) y el que nos ocupa en estas líneas, Sobre lo visible (2025). Suficiente material como para confirmarnos que estamos ante uno de los nuevos proyectos DIY (do it yourself) más estimulantes del panorama estatal alternativo. 

Cinco cortes, cada uno con su carta del tarot representada en veintiún minutos y medio de ruidismo esotérico. Arranca con la tensión de "El Diablo: intramuscular". Un sentimiento de angustia invade la escucha como niebla que dificulta el avance. Las explosiones guitarreras culminan las estrofas como rabiosos fuegos artificiales.

Nos sobreviene el empuje de "Los Amantes: radares". Menuda pegada, tenemos en frente la pista más inmediata del conjunto. Eso sí, seguimos surfeando la desesperación, su lírica nos lo confirma: <<En las olas abatida, ni me muevo y aun sabiendo yo flotar prefiero el descenso. Son las aguas las que viva me devuelven a orillas de una ciudad tan llena de muerte>>.

Seguimos bien provistos de sugestión con los sinuosos cuatro minutos de "El Ermitaño: espacios". Los iniciales embelesantes acordes guitarreros actuan como canto de sirena aunque ANIMADORA ya nos tuviesen abducidos desde el empiece de Sobre lo visible. La traca la pone el mágico break hacia su ecuador que la divide en dos o quizás en tres, si contamos el cambio anterior sobre el minuto y quince segundos.  

"El Carro: inmóvil" va avanzando melancólicamente hasta la llegada del sobrecogedor ocaso, con Andrea desgañitándose entre velos de poderío eléctrico. Y así que llegamos al final del EP de la mano de la lánguida "La Emperatriz: desgarro". Su espíritu acústico nos envuelve, casi como una caricia, haciendo más liviano el tránsito entre las sombras.

DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES - "Amor" (2025)

El flow hiphopero de Oscar D'Aniello junto a la dulzura de Helena Miquel que casaban a las mil maravillas como DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES se quedó en DELAFÉ tras la publicación de De ti sin mí - de mí sin ti (2013). El single celebración de los 20 años de la formación "Aquí ahora" (2022) avanzó el retorno a la familia de LAS FLORES AZULES y ahora, tras 2 sencillos más lanzados en los años siguientes, nos traen nuevo álbum, uno de muy especial: Amor (2025).

<<Amor aquí y ahora, como banda sonora>> es una de las frases insertadas en la canción "Amor, Pt. V" y que bien podría servir como eslogan promocional del trabajo. Un disco conceptual que nace con otro nacimiento, el de Luca, hijo de Oscar. No fue badalí que Amor se lanzara el día de su quinto cumpleaños. Parte de la paternidad pero expande el sentimiento universal del amor a todos los ámbitos de la vida, reivindicando su poderío. Necesitamos más que nunca recordarlo, subrayarlo fuerte, bien fuerte.

Estamos ante una composición dividida en nueve, algo así como un canon fraccionado, con una melodía que va surfeando y mutando a medida que va evolucionando este emocionante viaje de ida y vuelta hacia lo más profundo del corazón. 

"Amor, Pt. I" arranca con unos teclados evocadores y Oscar lidiando entre el spoken word y el rapeo, a su estilo, hasta que rondando el primer minuto y a la orden de <<latir sin miedo>> aparece el latido del corazón de Luca. El piano sigue sintiéndose protagonista en "Amor, Pt. II", arrancando con Helena Miquel y el mantra "Aquí, ahora, amor" intercambiando el orden de los factores sin alterar el producto. Mientras, Oscar la acompaña con fraseos tan motivadores como: <<quieren que vivas en el futuro siempre, para así perderte el presente, y presente es sinonimo de obsequio, de regalo, de verte y disfrutarte, de que ahora y aquí son para siempre>>. 

"Amor, Pt. III" contiene el momento más tierno del disco con esos gorgoritos, risas y lloros del Luca bebé. Luego viene "Amor, Pt. IV" con piano y guitarra acústica entrelazándose, escoltando a Oscar reiterando, como ya anunciara Helena en el final de la parte II, que: <<elijo la luz, elijo el color, elijo el sabor, elijo el amor>>. Sirve de puente de conexión con el marcado sabor al "Walk on the wild side" de Lou Reed en "Amor, Pt. V", pasado por un turmix neo-soul. Incluso parecen emular el coro "chu churu churu" de su antecesor. Los arreglos de cuerda le ponen la guinda a todo un subidón sensorial.

Si hay un momento de la escucha en el que levitar se nos hace inevitable es con "Amor, Pt. VI". Helena recitando con unos dulces acordes guitarreros de Dani Vega (Mishima), como nube sobre la que posarse. Los vaporosos coros últiman nuestro tránsito hacia la piel de gallina. 

El amor también se puede bailar como se demuestra en "Amor, Pt.VII". La música de club se suma a esta fiesta para los sentidos con Helena muy jefa cantando en loop: <<Y todo es amor>>. El ambiente dance solo se aparca momentáneamente en el ecuador del corte con un break al modo cumbayá. Luego recuperamos la pista de baile, dándolo todo hasta el final.

NUDOZURDO - "No te puedes rendir" (EP Sonido Muchacho, 2024)

El retorno de NUDOZURDO nos dio la bienvenida al 2024 tras siete años desde la publicación de su anterior referencia y menudo pedazo de pan que traían bajo el brazo. El álbum Clarividencia subió al podium de lo más estimulante del año, sobrado de sugestivo talento, como nos tenían bien acostumbrados desde sus inicios como banda, arrancando el siglo XXI. El acabose ha sido que a los 11 meses de la salida de su dorado retorno viera la luz el EP No te puedes rendir. Cinco cortes nacidos del disco anterior, que no tuvieron su lugar en él pero que ahora se reivindican poderosos empaquetados en este nuevo trabajo. 

"Cura de humildad" nos da la bienvenida desperezándose con unos delicados arpegios guitarreros. El bajo va haciéndose sitio hasta que llega la batería y el tema arranca su particular travesía hacia la épica. El ocaso lírico, marca de la casa, es de traca: <<No quiero cambiarte, ni tocar los botones equivocados. Como dos niños pequeños, que se esconden los zapatos. Ser, pretendemos. Que atravesar de nuevo el fuego. Y será otra cura de humildad>>.

En la pista que da título al trabajo Leo Mateos insiste en el mantra "No te puedes rendir" a medida que va desplegando sus alas durante más de seis minutos de ceremonial guitarrero. Bendita distorsión, in crescendo, con brotes de psicodèlia incluidos. El bajo pulsómetro y la batería percutora actúan como gregarios de lujo. NUDOZURDO en estado puro, gustándose, intimidando, sugestionando.

<<Me prendí fuego en directo y me dieron por muerto. Me agarre a tu cabello y contuve el aliento>>. Así empieza "Me dieron por muerto", otro de aquellos momentos hiper sensoriales en la carrera de los madrileños. Electricidad y electrónica entrelazándose hasta fundirse en un ente esplendoroso. Parafraseando su título quizás sí que les dimos por muertos antes de su reaparición el año pasado, pero con canciones como la que nos ocupa podemos afirmar que su estado de gracia es inmutable. 

 

El enérgico shoegaze de "Brutalismán" lleva consigo la distinguida colaboración vocal de Alondra Bentley. Una marcial batería se abre paso entre onomatopeyas y reverberación, creándose una atmósfera que pide hendiduras por donde coger aire.

CALA VENTO - "Brindis" (Montgrí, 2025)

 

CALA VENTO cumplen 10 años de carrera y lo celebran con un chin chin de los que rompen copas. Aleix Turon y Joan Delgado lanzan un disco muy especial de versiones, unas que el dúo justifica por el influjo de las originales en su apego por la música.

Además de la publicación de este Brindis (Montgrí, 2025) completaran el décimo aniversario con una nueva gira estatal de salas. Como no podía ser de otra manera tratándose de CALA VENTO lo harán con un reto de los gordos celebrándolo con sus seguidores durante doce días seguidos, empezando este próximo miércoles en Barcelona. A pie de página ampliamos información de fechas y venta de entradas.

Yendo al disco que nos ocupa este arranca con la balada "Mi canto libre" de Lucio Battisti (“Il mio canto libero” -1972-). Cambian el italiano por el castellano, inyectan la energía marca de la casa a partir de la segunda estrofa pero eso sí, respetan los vientos originales. Pura maravilla.

Foto de Arnau Elias

"Insurrección " (1986) de El Último de la Fila fue el segundo single presentación del trabajo. Musicalmente no tienen mucho a ver con el otro dúo catalán, como ves esto pasará en otros lances de Brindis, pero parece ser que por la manera de enfocar su carrera sí que han sido una referencia para ellos. Esta nueva mirada al clásico del cancionero patrio resulta bastante fiel al original aunque con más peso de las guitarras. Todo en orden, son CALA VENTO.

Ahora sí, el sonido de Turnstile conecta más con el rollo de la banda gerundense, además se declaran fans absolutos de los de Baltimore. El corte elegido es "Underwater boi" cambiando el idioma por el catalán, ahora como "A sota aigua". 

Volvemos a quedarnos ojipláticos ya que llega "Lento" de la mexicana Julieta Venegas pasada por el turmix sonoro de CALA VENTO. La verdad es que les ha quedado un medio tiempo bien gustoso, algo así como el primo rebelde de la coqueta original con esa electricidad encajada, sobre todo en su tramo final. La banda explica que querían incluir una canción latinoamericana al conjunto. Visto el resultado no podrían haber elegido mejor.

Llegamos a uno de los momentos cumbres del disco con "Pau" (2004) de Els Pets, por algo fue elegida como primer single avance y además con videoclip que puedes visionar cerrando estas lineas. Resulta que aquí la admiración entre ambas formaciones es de ida y vuelta. Se han permitido la licencia incluso de cambiarle la letra, actualizándola a la idiosincracia de los tiempos actuales. Creemos que Lluís Gavaldà, líder de los de Constantí, ha debido quedar satisfecho con el experimento. 

El "Grita" de los Jarabe de Palo la han llevado magistralmente a su terreno inyectándole una energía latente en su desarrollo que erupciona en un arrebatador último minuto, a modo de guinda para un pastel bien gustoso. Le sigue un rizando el rizo de manual con CALA VENTO versionándose a ellos mismos. Adoptan al catalano/francés Lecocq a la voz y cambian el idioma al italiano a "Estoy enamorado de ti" (2016), ahora como "Sono innamoratto di te". 

"Aixopluc" de la añorada banda mallorquina Da Souza es la versión que les faltaba de un grupo que hubiera crecido con ellos, incluso en alguna ocasión compartiendo escenario. La sorprendente inclusión de la caja de ritmos le pone el lazo de regalo a un corte donde la electricidad y la electrónica no se llevan nada, pero que nada mal. Una de mis preferidas.

SOMOS LA HERENCIA - "Joven Predicador" (Humo Internacional, 2024)

Gonzalo Sanz (voz, teclados), Enrique Moreno (guitarra), Guillermo Rojo (batería) y Guillermo Serrano (bajo) es la alineación titular de SOMOS LA HERENCIA y llegan con nuevo artefacto sonoro de nombre Joven Predicador (Humo Internacional, 2024). Tras un par de demos manufacturadas en 2014 y 2015, más los impactos del EP Zigurat (2017) junto al debut en formato largo Dolo (2020), había ganas de mirar cara a cara al temido segundo álbum de los madrileños. A la embriagadora propuesta inicial de post-punk y dark-wave se le agrega ahora un tercer invitado, que asomaba tímidamente la cabeza en su anterior referencia pero que aquí coge cuerpo. Me refiero al ruidismo electrónico que supura por todos los surcos del vinilo, que envuelve y atrapa, bordeando niveles inusitados de visceral crudeza. Unos brotes de flow hip-hopero pondrían el lazo de regalo al cóctel explosivo del cuarteto. 

Estamos ante un trabajo incómodo, perturbador, no apto para oídos conformistas, pero eso sí, los justos pacientes y abiertos de miras obtienen garantizada recompensa.  

El álbum arranca con "Todos bajan la colina" y la colaboración de Marco Henri en la producción y voz del corte. Ese turbador noise abriéndose paso ya desde el minuto 0. La marcada aureóla post-punk aliándose con un poso hip-hop, como quién combina gris con negro, congeniando a la perfección. Volverá a pasar en más lances de Joven Predicador. Otros aspectos recurrectes serán las pausas dramáticas y los cambios de ritmo, todo al servicio de la máxima sugestión imaginable.

Foto por Ignacio Pinela

"Una flor", con esa afilada arenga marcial viciando un aire que cada vez cuesta más respirar. Tú mientras quedas ojiplático ante lo que te está pasando por encima. Los versos se van abriendo paso a ostias: <<Una flor, un colchón, algo se repite en mi sangre. Quiero acostumbrarme. Tus padres te hablaron del dolor, me contaste. En la puerta del sitio, ¿es este mi sitio?>>.

Una monumental línea de bajo reclama protagonismo en "No soy un ladrón" mientras la imponente batería juguetea con las revoltosas guitarras en una partida a vida o muerte de la que sale un claro ganador: el oyente. El tema más inmediato del conjunto, se atisba otra bomba en directo.

  

En el melódico medio tiempo "Cenar de pie", título con expectación asegurada, la banda continua bien provista de talentosa penumbra culminada por una lírica no menos inspirada: <<Hoy voy a cenar de pie. Sentaros todos, yo no lo haré. Porque estuve un tiempo esperando a que encontrarais otro sitio que mereciera la pena. Lejos de aquí, en otro lugar>>.

Vuelven los flashes de flow urbano con "Ignorante al fin". Gonso rapeando desalentado versos tan desarmantes como el inicial: <<Calle Antonio López, hay sangre en un cajero. Entre la risa y el miedo. Esta mañana no respiraba bien, ahora salbutamol y al cien por cien>>. 

El interludio experimental "Ayuno y silencio" en vez de erigirse como un alto en el camino que nos permitiera un respiro resulta todo lo contrario. Una marcha más en esta travesía a tumba abierta hacia las tinieblas.

 

Inicia la cara B de "Joven Predicador" el corte titular al modo Rage Against the Machine. Sobrados de poderío, desbordando groove a la vez que la guitarra completa su conversión en cuchillas bien afiladas.

CARACAZADOR - "República" (G.O.Z.Z. Records, 2024)

 

Dice el dicho que más vale haber amado y perdido que nunca haber amado. Pablo Pérez alias CARACAZADOR es un cantante, compositor, músico y productor que disecciona una relación sentimental pasada en su segundo álbum República (G.OZ.Z. Records, 2024). El que ha sido primer fichaje del sello de Zahara elige al amor como perfecto cicerone que nos guie por los diez cortes que componen el trabajo.

El gaditano, armado de una aterciopelada electrónica zurcida con hilos de folclore andaluz y pop, arranca República con "Dios bendiga esta casa". Un piano ejerce de ese <<ángel que recibe en la puerta de casa a cualquier visitante>>. A modo de rezo Pablo nos invita a un viaje íntimo hacia lo más profundo de sus sentimientos.

La "Casamurada" es el estudio de grabación y título del segundo tema del álbum. Otro "hogar" para el artista que se va desperezando al piano entre loops y cajas de ritmos hasta alcanzar cimas de arrebatadora sugestión. Concluye con un bello ruego: <<Espérame al regreso, no le tengas miedo a la vida>>. Cuidado a la lírica que se gasta CARACAZADOR, hiere y cicatriza a la vez.

"Mi rostro" contiene una base de cajón que podría emular a palmeros jaleando ese desesperado <<No me olvides, piensa en mí. Piensa en mi rostro, piensa en mí>>. La guitarra española inyecta embrujo a un corte desgarrador. Además cuenta con la colaboración de Federico Garcia Lorca a través de algunos retales de su poema Si mis manos pudieran deshojar.

Si en el anterior corte la influencia flamenca del artista era palpable en "Falla" se muestra definitiva. Un corazón que se desangra a ritmo de fandango electrónico. Le sigue la canción titular, una "República" luminosa (videoclip insertado a pie de página), suplicando poder respirar, revelándose incluso bailable. 

   

La radiante "Parlamento" inicia la segunda mitad del álbum con esencia cañí. En este punto me gustaría también destacar el esplendoroso trabajo vocal de CARACAZADOR. Si las melodías brotan embelesantes es en gran parte por el tratamiento de la voz. El último minuto es de piel de gallina.

"Drim" estremece al quadrado con versos como <<Mi cuerpo ha comenzado a darme asco y parece que a ti también>>. Su cadencioso ritmo no consigue difuminar la angustia reinante.

DANI VEGA - "Así de frágil es" (Eclipse Melodies, 2024)

 

Hay momentos en la vida en los que uno siente nítido que ha de exteriorizar su bagaje vital a través de lo que mejor se le da. En el caso que nos ocupa DANI VEGA, guitarrista y uno de los miembros fundadores de la banda MISHIMA, debía hacerlo lógicamente por medio de la música. Así de frágil es (Eclipse Melodies, 2024) se convierte, de esta manera, en el álbum debut en solitario del canario. 

Un pop-rock de pantalones de tergal calzando mocasines es el vehículo con el que Dani nos invita a este recorrido por las luces y sombras acumuladas durante su existencia. A modo de retroceso para coger impulso, explora un reset emocional con el que retomar la marcha más ligero de equipaje.    

El piano de Nil Ciuró nos da la bienvenida a Así de frágil es con una ingrávida "Intro", dando paso al tema titular. Uno que deslumbra con esos sintes, primero centelleantes luego densos, sugestivos coros, guitarra marca de la casa... Toda una declaración de intenciones que presenta el álbum mientras va arrojando pétalos sonoros por entre los primeros surcos del vinilo.

Foto de Xavi Caparrós

Las risueñas notas pop de "Flotando" (videoclip insertado a pie de página) chocan frontalmente con la pena por el abandono paterno que Dani sufrió de niño, marcándole para los restos, montando el lienzo sobre el que se pinta la canción. El que fuera primer avance del disco se muestra monumental des de la guitarra saturada del arranque. Su desarrollo, no excento de mágicos recovecos, se erige cautivador y reparador a partes iguales. Es inevitable, te puedes quedar "tal vez ahora mismo, flotando entre mis lágrimas".

     

La languidez de "Nada" resulta arrebatadora. Una especie mestiza de blues-rock conviviendo con flashes de sintes, coros y ese señorial solo de guitarra final, completando otro corte desarmante de Así de frágil es.

Se cuelan aires funkies en "Por todo", la que fuera elegida como segundo single del álbum. Un medio tiempo a modo de brindis por una relación que acabó pero que dejó bellos momentos, entre ellos el nacimiento de un hijo. Detalles como la inclusión de la mandolina presentando el estribillo delatan que estamos ante un trabajo de embergadura. Su final no lo puede dejar más claro: <<Por todo lo que fuimos>>. Con un "alzad vuestras copas y chin, chin" ya lo tendríamos.

La intensa "Algo ha ido mal. Inténtelo de nuevo" inicia la cara B del disco con la inclusión de excitados violines inyectando inquietud a un tema que venía desperezándose de manera sedosa durante su primera mitad. A partir del redoble de tambor en su ecuador iremos cuesta abajo hacia la penumbra. Entra en escena el autotune con "Untitled_42", esto no lo veníamos venir. Seguimos sombríos, esta vez en forma de viaje sonoro con billete de ida y vuelta hacia los infiernos de las adicciones.

 

"Lanzarote, 1987" es otro de los sobresaltos del trabajo, en positivo. Una brumosa nana debatiéndose entre el grunge y el rock andaluz, demostrando la transversalidad del proyecto. La exquisita percusión junto al derroche guitarrero ponen el broche de oro al corte.

CARASUEÑO - “I’ll Be Neon Too” (Cielos Estrellados, 2024)

CARASUEÑO es el nuevo proyecto de Javier Vicente, líder de los extintos Big City y productor de gente como Tulsa, Le Parody, Calavera o Alondra Bentley. El músico zaragozano debuta ahora en solitario con I'll Be Neon Too (Cielos Estrellados, 2024), un disco que deslumbra como el sol que se refleja en las aguas de su portada. El contenido navega, siguiendo con símiles náuticos, por mares habitados de un elegante pop custodiado por trazos de electrónica, indie-rock y dream-pop.

 

Con "Empires" unos luminosos sintes nos dan la bienvenida al álbum cogiendo de la mano a la refinada batería. Enseguida entrarán en escena guitarra y bajo, mientras, la voz de Javier irá desplegando una cuidada lírica que concluirá dejándonos con qué pensar: <<Can you tell illusions from empires?>>.

 

La conmovedora "Genzor" recuerda a alguien cercano al artista que falleció dejando una estela bien brillante. La estrofa se desdobla en un puente dorado de sintes y guitarra hacia el centelleante estribillo. El cambio hacia su ecuador con esos teclados distorsionados son fuegos artificiales. 

Foto: Álex Ortega

"The midnight sun" se desprende de la aureola pop inicial del disco reivindicándose progresiva, con esa latente electrónica y coros asomando tímidamente la cabeza más un mágico break en su mitad capitaneado por el piano, inyectando suspense a un corte que ya salía bien sugestivo de casa.

Unos estimulantes acordes guitarreros nos abren la puerta a "Weirdest flower". Sus radiantes notas abrazan lo que parece ser un amor apasionado: <<Irene, bewitching power I love you weirdest flower. I do, I love you weirdest flower>>.

"All we want", con esa batería que es puro flow, hay que degustarla como menú de alto copetete. Su embelesante estrofa desemboca en un aterciopelado estribillo, empaquetando un enorme cierre de cara A de I’ll Be Neon Too. 

Los gruesos teclados ochenteros de "Escape the tiled room" dan paso a la canción más extensa con diferencia del conjunto, "All this snow will turn into fire". Sus siete minutos y medio de amigable experimentación van transitando en sutil in crescendo a modo de hipnótica estrofa sinfín.

La preocupación por la destrucción de la naturaleza, y por ende de la misma humanidad, se trata en "Are you Knobs?". El tema, pese a lo inquietante de la situación real, se presenta en un envoltorio ensoñador.